En este Blog encontraras críticas, comentarios y datos cinematográficos.
¡Cuidado! Entre ellos se encuentran SPOILERS.

martes, 29 de abril de 2014

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

“A veces nos disponemos a estrellarnos y no lo sabemos, ya sea casual o deliberadamente no hay nada que podamos hacer al respecto”

Ficha de la película:
Título original: The Curious Case of Benjamin Button
Director: David Fincher
Producción: Kathleen Kennedy, Frank Marshall, Ceán Chaffin
Duración: 166 minutos
Género: drama/amor/fantasía
Actores principales: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, Jason Flemyng, Julia Ormond, Eric West, Elias Koteas, Elle Fanning, Jared Harris
Lugar y año: Estados Unidos 2008

Sinopsis:
Una mujer enferma terminal se encuentra en un hospital acompañada de su hija y decide dedicar sus últimas horas de vida a escuchar como esta lee en voz alta y por vez primera el diario de Benjamin Button. Benjamin Button, según lo que en ese documento se encontraba escrito, era un hombre cuyo ciclo vital se desarrollaba en sentido opuesto al del resto de las personas, de modo que nació con las características físicas propias de un anciano (lo que causo que su padre lo abandonara el mismo día de su nacimiento) y poco a poco fue rejuveneciendo.

Critica:
El Curioso caso de Benjamin Button, es una película, como ya profetiza el título, curiosa.
Para tratarse una historia totalmente fantástica está rodada de forma que se le aporta un extraño realismo lo cual permite al espectador involucrarse más en la historia y por tanto llegar a conectar con la misma de forma que la valoración final que este hace de la misma termina siendo buena.
Los saltos en el tiempo son la asignatura pendiente del cine, pero no en este caso. Normalmente no suelen ser llevados de forma adecuada en las películas, (al margen de algunos casos como “Regreso al futuro” que hace extremadamente sencillo para el espectador algo que en guión debió de resultar complejo), sin embargo el Curioso caso de Benjamin Buton también destaca por saber llevar la evolución temporal de modo adecuado y sobre todo ordenado.
Uno de los puntos que refuerzan esto es el uso de la luz en la imagen.a media que la historia va acercándose temporalmente al  presente los tonos cálidos usados al comienzo de la misma se van sustituyendo por tonos fríos.
El trabajo de maquillaje es realmente bueno, la caracterización de Brad Pitt no resulta artificial, sino que incluso fijándose es difícil notar que sus arrugas no son naturales.
En este aspecto la iluminación del film resulta de mucha ayuda. Como se ha mencionado antes, los tonos en ese punto de la película eran cálidos, lo cual escondía de algún modo los posibles defectos.
Cuando llegó el turno de la caracterización de Cate Blanchett la iluminación ya se había ido cambiando paulatinamente y esto permite al espectador fijarse más en todos los detalles lo que implica que ciertos planos cortos de su rostro revelen artificialidad. En cuanto a la evolución del cuerpo de Benjamin en ese caso la solución requería un poco más de complejidad técnica que el maquillaje y por tanto el resultado no fue tan verosímil.


lunes, 28 de abril de 2014

LA NOCHE DE HALLOWEEN (HALLOWEEN)

Les has engañado a todos, Michael, pero a mí no.

Ficha de la película:

Título original: La noche de Halloween
Director: John Carpenter
Producción:      
Debra Hill
Duración: 93 minutos
Género: terror           
Actores principales: Jamie Lee Curtis, Donald Pleasence, Nancy Loomis, P.J. Soles, Charles Cyphers, Kyle Richards, John Michael Graham, Brian Andrews, Nick Castle
Lugar y año: Estados Unidos 1978

Sinopsis:
Michael Mayers es un niño de 6 años que la noche de Halloween se disfraza de payaso, entra en el cuarto de hermana mayor y la asesina con un gran cuchillo. pocos minutos más tardes es encontrado en la puerta de su casa, aún cuchillo en mano, por sus padres. Desde entonces pasa los siguientes 15 años en un psiquiátrico de escasa seguridad, lo cual propicia su fuga. Tras eso regresa a la ciudad en la que vivía para acabar lo que empezó años atrás.

Crítica
Halloween es la película de terror que inicia la revolución del subgénero “Slasher" (es decir protagonizadas por asesinos en serie cuyas víctimas suelen ser adolescentes en su mayor parte). Antes ya existía dicho subgénero pero la concepción de este cambia tras esta película y comienza a producirse en casi en masa. Tras esta siguieron otras grandes como “Viernes 13”, “Pesadilla en Elm Street”, “Prom Night”...
La trama está bastante bien estructurado, pone en antecedentes al espectador mostrando una parte del pasado de Michael Myers que al mismo tiempo supone un punto de originalidad en la película mostrando a un asesino niño. Tras ese gran salto en el tiempo de 15 años el tiempo se estabilizada hasta centrarse única y exclusivamente en el transcurso de la noche de Halloween.
No se  puede pasar por alto el protagonismo de Jamie Lee Curtis, una de las más grandes y expertas Scream Queens (literalmente “reina del grito”, es un apodo que se usa para referirnos a las mejores protagonistas femeninas de las películas de terror). “Halloween” fue el inicio de su éxito en la industria. En la cual termino de consagrarse con títulos como “Prom Night”, “Halloween II”, “El tren del terror”, “Halloween H20: 20 Years Later” y por última una pequeña pero significativa aparición en “Halloween: Resurrection”.
La película a pesar de ser la pionera en la revolución del cine de terror es mejorable. En primer lugar la iluminación de la mima no es buena. Cierto es que el que la mayor parte de la historia se desenvuelva por la noche supone que lo predomínante sea la oscuridad, sin embargo llega a abusarse de ella.
La constante oscuridad supone un esfuerzo visual para el espectador que en ocasiones puede sacarle de la trama. Habría sido mejorable si hubiesen aprovechado las tomas rodadas en espacios cerrados como las casas para dotar al film de una mayor iluminación que permitiera al público apreciar mejor algunas escenas. Esto trae como resultado que algunos de los momentos en los que se producen los asesinatos más que apreciarse se intuyan.

Aunque claro siempre es mejor que la visión no sea demasiado buena a que si lo sean se aprecien unos nefastos efectos de maquillaje como ocurre con otras películas del género.

domingo, 27 de abril de 2014

PERDONA SI TE LLAMO AMOR

“Un accidente puede ser positivo o negativo. Depende de cómo lo mires. Del modo en que cambie tu vida a partir de ese momento.”

Ficha de la película:
Título original: Scusa ma ti chiamo amore

Director: Federico Moccia,
Producción: Rita Rusic
Duración: 103 minutos
Género: comedia romántica
Actores principales: Raoul Bova, Michela Quattrociocche, Luca Angeletti, Francesca Antonelli,
Francesco Apolloni, Michelle Carpente, Cecilia Dazzi, Francesca Ferrazzo, Rossella Infanti, Veronika Logan
Lugar y año: Italia 2008

Sinopsis:
Alex es un exitoso publicista de 37 años que acaba de sufrir una ruptura amorosa. Cuando todavía sigue sintiendo algo hacia su ex pareja se cruza en su vida Niki, una joven de 17 años que consigue alterar toda su vida.
Sin darse cuenta se enamora de la misma y comienzan una relación que no estará exenta de problemas, casi todos ellos derivados por la diferencia de edad entre ambos.

Crítica:
Perdona si te llamo amor es una comedia romántica en el más estricto sentido. El único punto de originalidad respecto a la mayoría de las comedias románticas es la diferencia de edad entre los protagonistas (aunque dentro de este ámbito existen otras grandísimas películas de otros géneros con las que es preferible no comparar este film).
Un punto a Favor es la evolución psicológica de los personajes y la marcada personalidad de casi todos ellos. Es de agradecer el realismo con el que se muestran las emociones humanas, en especial las debilidades como la indecisión, los celos y el ansiar, siempre dentro de un elenco de posibilidades, la que menos nos conviene. Sin embargo aunque la psicología es cabal el desenvolvimiento de las circunstancias es quimérico en cuanto a lo que la historia principal (y alguna de las secundarias) se refiere.
El final es predecible pero deseado por el espectador. A pesar de estas tachas, como ya dije al inicio de esta entrada, es una comedia romántica (la técnica de la narración acentúa el factor del romanticismo) y solo con saber este dato de la película sabemos ante qué clase de film vamos a colocarlos, uno en el que lo predominante es el idealismo. Sin embargo la historia es atractiva y tentadora por lo que en muchos aspectos sí merece la pena verla.

Destaco por último el personaje de Pietro, un hombre débil, embustero y cobarde de cuya personalidad solo se salva el sentido del humor. Para regocijo de muchos de nosotros en los créditos finales se nos indica, de un modo excesivamente apresurado, que se destapan sus engaños y sufre las consecuencias de los mismos. 

sábado, 26 de abril de 2014

CON FALDAS Y A LO LOCO

Bueno, nadie es perfecto.

Ficha de la película:
Título original: Some Like It Hot          
Director: Billy Wilder
Producción: Billy Wilder
Duración: 120 minutos
Género: comedia
Actores principales: Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O'Brien, Joe E. Brown, Nehemiah Persoff, Joan Shawlee, Billy Gray, George E. Stone, Dave Barry, Mike Mazurki, Harry Wilson, Beverly Wills, Barbara Drew, Edward G. Robinson Jr.
Lugar y año: Estados Unidos 1959

Sinopsis:
Joe y Jerry son dos amigos músicos con serios problemas económicos. Problemas que pasan a un segundo plano cuando se convierten en testigos de un asesinato a manos de unos peligrosos mafiosos. Logran huir pero saben que serán encontrados sino toman medidas al respecto, es por eso que deciden disfrazarse se mujeres y aceptar un trabajo en una compañía de música fémina. Allí conocerán a la adorable Sugar y a un excéntrico millonario.

Critica:
Más de 55 años después de su estreno esta película sigue fascinando a (casi) todo aquel que la ve. Es realmente una gran comedia que permite al espectador evadirse durante dos horas y recrearse en la comicidad de los personajes.
Los dos protagonistas masculinos son dos bribones engañosos y expertos en sobrevivir incluso ante las circunstancias más adversas. A pesar de que tanto Joe como Jerry cumplen estas características el que toma la iniciativa suele ser Joe (Tony Curtis) mientras que el que pone el punto de coherencia (a menudo ignorado) es Jerry (Jack Lemmon), el cual se deja arrastrar a planes descabellados.
La música, además de formar parte del guión de la película, es llevada de forma excelente en el acompañamiento de la trama. Es usada para relajar situaciones que con otro acompañamiento musical podrían resultar demasiado tensas o dramáticas para el género del film. Cabe destacar los sensuales acordes que acompañan cada aparición de la ya de por sí radiante Marilyn hace que el espectador la idealice aún más.
Dentro de este punto debe mencionarse obligatoriamente la gran interpretación de Marilyn del tema “I Wanna Be Loved By You”. No es una interpretación musicalmente perfecta pero el lenguaje corporal de la actriz se come el escenario y cautiva a la cámara impidiendo percibir las posibles tachas técnicas.
El reparto es exquisito. A pesar de la aparición de la magnífica Marilyn Monroe los otros dos actores principales Tony Curtis y Jack Lemmon no se ven en absoluto eclipsados por esta.
Por último no se puede hacer mención a esta película sin referirnos a la icónica escena final cuando Jerry revela a su prometido que en realidad es un hombre y este le contesta: “bueno, nadie es perfecto”. Una escena parodiada en multitud de ocasiones y no sin motivo pues es el colofón a la grandiosa comedia.


PD: adjunto la referida escena:


martes, 22 de abril de 2014

YOU'RE NEXT


-¿Por qué?
-¿y por qué no?

Ficha de la película:
Título original: You're Next
Director: Adam Wingard
Producción: Simon Barrett, Keith Calder, Kim Sherman, Jessica Wu
Duración: 95 minutos
Género: terror
Actores principales: Sharni Vinson, Nicholas Tucci, Wendy Glenn, AJ Bowen, Joe Swanberg, Sarah Myers, Amy Seimetz, Rob Moran, Barbara Crampton, Ti West, Simon Barrett, LC Holt
Lugar y año: Estados Unidos 2011

Sinopsis:
Los Davison deciden organizan una reunión familiar. Los cuatro hijos de la familia acuden a ella con sus respectivas parejas.
En mitad de la cena los ocupantes de la casa comienzan a ser atacados por misteriosos enmascarados a partir de ese instante la supervivencia será el objetivo.

Critica:
El cine de terror actual, para desgracia de los amantes del género, deja mucho que desear. Sin embargo esta película en concreto se desmarca de la línea general y ofrece al espectador un thriller de terror que recuerda en muchos aspectos al cine de los años 70 y 80.
No es una gran película ni a nivel de guión, ni en el plano técnico, pero es atractiva y deja satisfecho al espectador en lo que a entretenimiento se refiere.
En el rodaje predominan los planos cortos que acercan al público a la trama lo cual se ve reforzado porque el movimiento de la cámara no es estático.
Lo que más me ha gustado es la banda sonora de la película encabezada por el tema “Lookin for the Magic” el tono animado de la canción provoca un contraste muy atractivo con la temática del film.
Otro punto a favor  es el hecho de que las muertes de la película comiencen a producirse en presencia de todos, y no de una en una, de forma sigilosa y silenciosa. Esto hace que cunda el pánico entre las víctimas y regala momentos de tensión que enriquecen la trama.
El uso de la máscara hace ganar puntos al film en mi escala personal remitiéndome a grandes asesinos de la historia del cine como Michael Mayers en “Halloween”, Ghostface en “Scream”, Jason Voorhees en “Viernes 13” o Leatherface en “La matanza de Texas”. Aunque el formato de la máscara recuerde más a las usadas en “Saw”.
Es muy de agradecer el rechazo al gran tópico del cine en el cual la protagonista golpea al villano y huye dándole a este la oportunidad de recuperarse y volver a atacarla. En este caso la protagonista es una chica lista y no pierde la oportunidad de acabar de forma definitiva con los antagonistas cuando estos se encuentran reducidos (claro que esto, evidentemente, solo es posible en guiones con más de un enemigo).
Así como tiene grandes puntos a su favor, en contra diré que el guión contiene ciertas incoherencias: el móvil de los asesinatos queda claro que es puramente económico, si lo que se pretende es obtener el dinero de los adinerados padres entonces ¿por qué al comienzo del film se ataca también a los vecinos? Está claro que toda película de terror necesita una introducción llamativa que indique ya desde el inicio que el género de la película es el horror y por eso es necesario comenzar aniquilando a alguna victima anónima, cosa que luego puede resultar difícil de justificar en la trama.
Podemos salvar este fallo si entendemos que la muerte de los vecinos se produce con el objetivo de evitar que alguno de los miembros de la familia escape hacia la casa de estos  y, una vez allí, reciban su auxilio y alerten a la policía (como de hecho una de las víctimas intenta).

PD: adjunto el tema principal de la película.


lunes, 21 de abril de 2014

LOS MISERABLES

Soy un hombre. No soy peor que cualquier otro hombre.

Ficha de la película:
Título original: Les Misérables
Director: Tom Hooper
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Debra Hayward, Cameron Mackintosh
Duración: 158 minutos
Género: Musical/drama
Actores principales: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne, Samantha Barks, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen,
Lugar y año: Reino Unido 2012 

Sinopsis:
Jean Valjean tras cumplir condena por robar para conseguir medicinas para su sobrino y recibir una segunda oportunidad decide desprenderse de su antigua identidad y construir una nueva vida llegado así a convertirse en alcalde. Es en este momento en el que su vida se entrecruza con la de Fantine una mujer que tras ser despedida de la fábrica en la que trabajaba se ve arrastrada a vender sus muelas, su pelo y su cuerpo para poder mantener a su hija que se hospeda con los mesoneros de la ciudad.
Jean Valjean adopta a Cosette, la hija de Fantine, tras la muerte de esta y juntos empiezan por segunda vez una nueva vida mientras esquiva al inspector Javert, que aún le persigue por haber roto la libertad condicional años atrás.

 Critíca:
Mi musical preferido sin duda es “Los miserables”. Conmovedora, apasionada y sorprendente son los tres adjetivos con los que califico el film.  Muchos dicen que peca de larga sin embargo considero que es el único modo de hacer justicia a la novela de Victor Hugo.
Me ha sorprendido muy gratamente ver al elenco de actores trabajando en un musical. Mucho se ha debatido sobre si debía haberse contratado a músicos profesionales o no. Yo considero que la elección fue acertada. Desconozco si la entonación es la adecuada o si por el contrario, como muchos han alegado, es más que mejorable. Lo que sí puedo afirmar con rotundidad es que solo un gran actor es capaz de transmitir los sentimientos como lo hace el reparto elegido. La música en directo marca la diferencia con otros musicales de la historia del cine aportando realismo y crudeza.
La actuación más destacable es la de Anne Hathaway que demuestra todo su potencia en su interpretación de “I dreamed a dream”. El papel de la actriz en el film es corto y sin embargo es uno de los que más ha dado que hablar. Este ha sido un punto de inflexión en la carrera de esta joven promesa que ha mostrado todo su potencial y su magnífica polivalencia.
Evidentemente nos encontramos ante un drama pero la dirección ha sabido encauzarlo adecuadamente. Casi dos horas y media de intenso drama es algo que puede llegar a hacerse demasiado pesado para el espectador y es mediante dosis de humor dosificadas como se consiguen altibajos emocionales capaces de mantener despierto el interés del público. En este punto Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen bordan su interpretación.
Un factor en contra, pero inevitable ya que el doblaje habría destrozado la esencia de esta película, es el tener que centrar gran parte de la atención en los subtítulos. Esto impide al espectador fijarse en detalles interpretativos en especial en secuencias con un ritmo acelerado como “Master of the house”. (Yo personalmente he salvado la barrera del idioma visionando el film un par de veces)
La ambientación, vestuario, maquillaje y escenarios son muy adecuados. Los saltos en el tiempo que experimentamos a lo largo del film están bien encuadrados en la obra y no resultan confusos.

Cada personaje arrastra su propia historia y todas y cada una de ellas han sido pulidas adecuadamente dotando a los sujetos de una psicología completa, compleja y evolutiva. A pesar de esto la historia menos atrayente es la amorosa entre Cosette y Marius que resulta demasiado idealizada e irreal.

LA MATANZA DE TEXAS

Hay muchas cosas, muchas que hay que hacer y no todas gustan”

Ficha de la película:
Título original: The Texas Chain Saw Massacre 
Director: Tobe Hooper
Producción: Tobe Hooper, Lou Peraino
Duración: 83 minutos
Género: terror
Actores principales: Marilyn Burns, Gunnar Hansen, Edwin Neal, Allen Danzinger, Paul A. Partain, Jim Siedow, Teri McMinn
Lugar y año: Estados Unidos 1974

Sinopsis:
Un grupo de jóvenes inicia un viaje hacia Texas con el objetivo de visitar la tumba del abuelo de dos de ello.
En esos días se había informado por los medios de comunicación que gran parte de las sepulturas del cementerio del condado de Wood habían sido profanadas y debido a ello deciden desplazarse hasta allí.

Critica:
Si hubiera que definir “la matanza de Texas” con una sola palabra esa sería salvaje.
Puede que a día de hoy y acostumbrados al gore sangriento y realista de películas como "Saw" algunos no sean capaces de valorar la violencia y brutalidad de una película catalogada en otros tiempos como grotesca y debido a ello censurada.
La violencia de esta película no es gratuita. No se busca la sangre por la sangre sino que con la violencia extrema se pretende dotar al film de una crudeza que eleva el nivel de terror.
Si analizamos una muestra de algunas de las más famosas películas de terror del subgénero slasher (es decir protagonizadas por asesinos en serie cuyas víctimas suelen ser adolescentes en su mayor parte) los asesinatos suelen ser más limpios y rápidos y el objetivo no suele ir más allá del deseo de matar o, en aquellas con una mejor contextualización, la venganza.
En este caso el canibalismo es el objetivo que se persigue con el derramamiento de sangre. Un canibalismo que nada tiene que ver con la elegancia del Doctor Lecter. Se trata de una agresividad desenfrenada que nos aleja de la concepción humana y nos remite a los más primitivos instintos animales. Esta idea se ve reforzada al privar al personaje principal, cara de cuero, o Leatherface de lenguaje.
Otro punto  característico es la pluralidad ofensiva hacia la víctima. Cara de cuero es el asesino principal pero no el único, se trata de toda una familia de Psico Killers entre los que destaca Leatherface debido a su corpulencia y fuerza bruta, así como el manejo de la moto sierra que lo convierte en el más letal en los enfrentamientos.  Además él es el autor material de las muertes durante esta primera parte de la saga.

A pesar de que la película nos regala unas escenas magnificas hacia la mitad de la misma, el comienzo se hace largo y carente de sentido para el espectador. Las conversaciones mantenidas por el grupo de jóvenes resultan triviales y superfluas, todo lo contrario a películas como “ Scream” en las que los diálogos juegan un papel fascinante e inesperado para una película de terror. 

TIBURÓN


"Gritas barracuda, y la gente dice: ¿y qué? Gritas Tiburón y cunde el pánico.”

 
Ficha de la película:
Título original: jaws
Director: Steven Spielberg
Producción: David Brown, Richard D. Zanuck
Duración: 124 minutos
Género: terror
Actores principales: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton
Lugar y año: Estados Unidos 1975

Sinopsis:
Acaba de empezar el verano y con ello la época de turismo, que es la principal fuente de ingresos, en Amity Island. Sin embargo las expectativas económicas de la ciudad se verán truncadas cuando comienzan a producirse los salvajes ataques de un tiburón blanco sobre los bañistas.
El jefe de policía Brody encabezará la lucha entre el hombre y la bestia acompañado de un oceanógrafo, el doctor Hooper y de un veterano caza tiburones el capitán Quint.

Critica:
Pueden pasar los años, pueden mejorar los efectos especiales y puede aumentar el presupuesto del film pero ninguna (y quiero subrayar el término ninguna) otra película de temática semejante se acerca a rozar la genialidad de “Tiburón.”
Si Steven Spielberg ha logrado situarse en la reconocidísima posición de uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos es sin duda por obras maestra como "Tiburón."
Cada vez que la veo me asombra más y más el grado de realismo del escualo, un realismo que desgraciadamente no abunda en las películas actuales de tiburones a pesar de que estas cuentan con recursos que 1975 eran impensables.
La banda sonora es la puntilla del film. Una melodía terrorífica, que comienza lentamente y va apresurando su ritmo para trasmitir al espectador la idea de que el monstruo que acecha se acerca cada vez más a su presa. Y lo consigue, sin duda lo consigue, escuchar esos acordes es entrar en un estado de alerta absoluto.
A pesar de que todo el reparto es magnífico el papel estelar es interpretado por Robert Shaw, el excéntrico capitán Quint. Es él quien protagoniza la escena más brutal de la película y con su interpretación final pone el broche de oro a 124 minutos arte cinematográfico. A pesar de su larga duración, tiburón en ningún momento se hace pesada, sigue un ritmo adecuado, dejando espacios puntuales al espectador para que recobre el aliento y dosificando la violencia de forma inteligente.
El rodaje de la película es sublime. Rodar con una cámara subacuática es lo que coloca al espectador en el punto de vista del tiburón. Esta técnica ya pudimos apreciarla en grandes éxitos como psicosis, o volviendo la vista un poco más atrás, la primera donde se utilizó esta técnica fue en “el fotógrafo del pánico”. El ver desde abajo las extremidades de las potenciales víctimas del tiburón sugiere en el espectador una sensación de indefensión absoluta, pues los bañistas ignoran el peligro que les acecha.

Si durante todo el film lo que predomina es la tensión el desenlace está plagado de angustia. Durante gran parte de la película nos han estado mostrando inteligentemente planos amplios de un pequeño barco en la inmensidad del mar. El tiburón se desenvuelve con facilidad en el océano, y a los tres protagonistas solo los separa de la muerte el barco en el que se encuentran. Sin embargo cuando este empieza a hundirse el ser humano pasa a estar a merced del tiburón, en su elemento: el agua, un medio que coloca al hombre en la desventaja más absoluta.

PSICOSIS

“Todos nos volvemos locos alguna vez”

Ficha de la película:
Título original: psycho
Director: Alfred Hitchcock
Producción: Alfred Hitchcock
Duración: 109 minutos
Género: terror
Actores principales: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, John McIntire
Lugar y año: Estados Unidos 1960

Sinopsis:
Marion Crane, tras hurtar una importante suma de dinero a la empresa para la que trabaja decide huir y comenzar una nueva vida que sería costeada con el capital adquirido.
La preocupación de Marion por ser descubierta por la policía la lleva a tomar notables precauciones para ocultar su crimen entre las que destaca cambiar de coche. Una de las paradas en su viaje de huida resulta ser el motel Bates. Allí conocerá a Norman Bates quien se encargará de hospedarla.

Critica:
Psicosis es el clásico entre los clásicos. La película de terror por antonomasia. Apreciada y reconocida por la crítica a lo largo de los años y
sin embargo actualmente ignorada por un público que declina su formato en blanco y negro y su carencia de los sobreexplotados efectos especiales.
Es cierto que en psicosis no veremos carnaza pero también es cierto que no es lo que buscamos en una película de estas características.
El maestro Hitchcock es el amo indiscutible del suspense nos hace temer lo que no vemos más que lo que vemos, o mejor dicho que lo que creemos ver.
En esta película es muy destacable el elemento sorpresa. El personaje de Janet Leigh comienza acaparando la pantalla. En el momento del estreno de psicosis la popularidad de la actriz estaba en alza y de ella se esperaban solo papeles protagonistas por lo que su prematura muerte causa desconcierto en el espectador, una sensación de confusión que ya no se abandonará hasta el final del film.
La interpretación del personaje de Anthony Perkins no es fácil. Resulta complejo saber llevar la (nunca mejor dicho) psicosis del personaje sin caer en la comicidad y Perkins lo logra brillantemente.
Sin embargo el mérito de esta película no es tanto la interpretación de los actores si no la excelente dirección y el rodaje de la misma.
El uso de la música no podría ser más inteligente en esta película, llega un momento en que los latidos del corazón del espectador parecen acompasarse a la marcada melodía la cual nos avisa y nos prepara para los momentos en los que se alcanza la máxima tensión (algo parecido a lo que años después hará Spielberg con "Tiburón")

El final de la película es soberbio. El plano que se va acercando más y más al psicótico Norman mientras puede escucharse el monologo de “su madre” considero que es la mejor escena de la película, aunque la que más haya transcendido sea la frenética (y también brillante) escena de la ducha.

VACACIONES EN ROMA


“Prométeme que no me seguirás más allá de la esquina, sino que te marcharás y me dejarás igual que yo te dejo a ti”

Ficha de la película:
Título original: Roman Holiday
Director: William Wyler
Producción: Robert Wyler, William Wyler
Duración: 118 minutos
Género: comedia romántica
Actores principales: Gregory Peck, Audrey Hepburn, Eddie Albert, Hartley Power, Harcourt Williams, Margaret Rawlings
Lugar y año: Estados Unidos 1953

Sinopsis:
La princesa Anna se encuentra en Roma cumpliendo con sus obligaciones diplomáticas cuando se ve abrumada por la rigidez de su ritmo de vida. Ante esto decide ir a explorar la ciudad de Roma escapándose de sus aposentos durante la noche.
Es entonces cuando conoce a Joe Bradley un periodista ansioso por publicar una gran noticia.

Critica:
Vacaciones en Roma es una película que destaca en muchos campos.
En primer lugar el reparto de la película no podía haber sido elegido de un modo más acertado. Audrey Hepburn hasta entonces no había logrado ningún papel protagonista pero será a partir de esto momento cuando se descubra su gran potencial. Este es el mejor papel de su carrera, aunque el público la identifique más con la sobrevalorada desayuno con diamantes.
Respecto a Gregory Perk él ya era un actor de renombre y con este film consiguió afianzar más su posición de galán en el cine, solo superada por el gran Clark Gable.
Sin embargo la interpretación aunque correcta no supone un reto debido a la escasa complejidad psicológica de los personajes.
El guión es sencillo y atrayente para el espectador, una historia lineal y con escaso drama, algo que por sí solo no resultaría suficiente para considerar a esta película uno de las mejores dentro de la historia del cine.
Entonces ¿Qué es lo destacable en esta película? Sin duda el escenario. El escenario en esta película es el gran protagonista. Roma es presentada como un lugar en el cual puedes expresarte libremente.
La técnica usada en el rodaje del film es novedosa para la época pues se da una importancia capital a los espacios empleando para ello planos amplios y no centrándose exclusivamente en los rostros de los actores.
La película resulta una excusa perfecta para mostrar al espectador la belleza de la ciudad. Cabe destacar la escena de la boca de la verdad, que además de ser entrañable resulta ilustrativa para el espectador.
El vestuario y la ambientación en general fueron elegidos muy adecuadamente dando un matiz de desenfado que encaja con la idea de libertad ya expresada.

En cuanto al final me parece que contrasta con el tono general de la película. En estos casos se espera un  “…y vivieron felices para siempre” sin embargo aquí el film aporta un inesperado realismo que es de agradecer para aquel que rechaza los manidos tópicos de las comedias románticas.

domingo, 20 de abril de 2014

EL SILENCIO DE LOS CORDEROS

“No pienso ir a visitarla, Clarice, el mundo es más interesante con usted dentro”


Ficha de la película:
Título original: The Silence of the Lambs
Director: Jonathan Demme
Producción: Ron Bozman Edward Saxon y Kenneth Utt
Duración: 118 minutos
Género: terror/suspense
Actores principales: Jodie Foster, Anthony Hopkins, Scott Glenn, Anthony Heald, Ted Levine, Brooke Smith
Lugar y año: Estados Unidos 1991

Sinopsis:
 la agente Clarice Starling, del FBI, recibe órdenes de superior de desplazarse hasta el centro psiquiátrico donde se encuentra recluido el doctor Hannibal Lecter, el que fuera un reputado psiquiatra en otros tiempos ahora cumple condena por canibalismo.
Clarice debe conseguir de él la información necesaria para atrapar a Buffalo Bill un asesino enserie cuyas víctimas son siempre jóvenes mujeres.

Crítica:
Hablar de silencio de los corderos es hablar de un clásico en el cine de terror tal y como yo entiendo el cine de terror.
Durante todo el film el doctor Lecter juega no solo con la joven agente Starling sino con el espectador, sometiéndolo bajo su implacable psicología y dominio absoluto de la situación.
Habría que destacar la impecable interpretación de Jodie Foster la cual sabe reflejar en su rostro la frustración que siente ante una batalla intelectual perdida incluso antes de su inicio.
Dicho esto cabe añadir que la batalla ficticia no es la única en la que Jodie Foster no sale victoriosa. En la batalla interpretativa solo hay un ganador: Anthony Hopkins y es que cuando Sir Hopkins aparece en pantalla todo lo demás deja de ser relevante para el espectador. Tan magnifica es su interpretación que eleva al actor a la posición de dueño y señor de la película, (a pesar de que su personaje no estaba concebido como el principal), de hecho su intervención en la misma apenas dura 17 minutos y sin embargo al finalizar el visionado de esta obra del séptimo arte el rostro que recuerdas es el suyo, las frases que recuerdas son las suyas y por supuesto las escenas más míticas son inevitablemente en las que él aparece. Tanto es el fervor despertado que como sabemos la trayectoria cinematográfica de nuestro caníbal preferido no podía acabar aquí, el público pedía más. Dos películas más le colocaron en la posición que merece de protagonismo: en 2001 uno: Hannibal y en 2002 El Dragón Rojo (películas que merecen critica aparte) para finalizar en 2007 la moda de las precuelas llegó también para este mítico personaje, esta vez ya sin la interpretación del maestro.
A pesar de ser un villano Lecter se gana el amor del público el cual desea que los planes de este no se vean truncados.
Respecto a la historia subyacente (subyacente para el espectador pero principal en guión) debo reconocer también la complejidad del personaje de Bufalo Bill y la interpretación de Ted Levine que no se queda atrás en el nivel que exige la película.
Una de las cosas que más me agrada de la película el presentar a un villano educado, sereno, sarcástico, elegante y extremamente inteligente que son los que personalmente más terror me causan.

Ha quedado patente mi fascinación sobre la película sin embargo no todo son alabanzas, tengo que añadir que en contraposición a la originalidad mostrada durante la introducción y nudo el desenlace cae en la banalidad de acudir al “final comodín” en que el asesino muere abatido por la policía, en lugar de ser arrestado y sometido a un juicio. La necesidad de cerrar de forma definitiva y brutal las películas con la muerte del villano en mi opinión es un recurso demasiado predecible y usado solo para saciar los más primitivos instintos de venganza del espectador.

sábado, 19 de abril de 2014

SAGAS

VIERNES13 (Jason Voorhees)

PELICULAS Y LIBROS:

PELÍCULAS Y LIBROS: EL RESPLANDOR.
LOS JUEGOS DEL HAMBRE (TRILOGÍA)

ANÁLISIS

KILL BILL VOLUMEN I
KILL BILL VOLUMEN II

CRÍTICAS

YOU'RE NEXT

LISTAS

MEJORES GRITOS DEL CINE 
MEJORES PELÍCULAS DE ROBIN WILLIAMS