En este Blog encontraras críticas, comentarios y datos cinematográficos.
¡Cuidado! Entre ellos se encuentran SPOILERS.

martes, 20 de mayo de 2014

10 RAZONES PARA ODIARTE

“Nunca permitas que nadie te haga sentir que no te mereces lo que quieres.”

Ficha de la película:
Título original: 10 Things I Hate About You
Director: Gil Junger
Producción:  Andrew Lazar
Duración: 97 minutos
Género: cómedia romántica
Actores principales: Julia Stiles, Heath Ledger, Joseph Gordon-Levitt, Larisa Oleynik, Larry Miller, Andrew Keegan, David Krumholtz, Susan May Pratt, Gabrielle Union, Larry Miller, Daryl Mitchell, Allison Janney
Lugar y año: Estados Unidos año 1999

Sinopsis:
Bianca y Kat son dos hermanas totalmente diferentes. Bianca es extrovertida y popular mientras que Kat es antisocial, decidida y apasionada. Ambas van al mismo instituto al que llega nuevo Cameron, un chico que se enamora de Bianca nada más verla. Pronto descubre que salir con ella será más difícil de lo que él cree ya que su controlador padre no deja salir a Bianca si no lo hace también Kat. Es por esto que Cameron se las ingenia para buscarle un novio a Kat: el chico malo del instituto.


Crítica:
10 razones para odiarte es la típica comedia romántica para adolescentes. Tiene todos los elementos comunes de este subgénero del cine. Adolescentes confusos y diferentes a los que les cuesta encajar en la sociedad y que tienen idas y venidas en sus relaciones amorosas, amistosas y familiares. Esto hace que la originalidad destaque por su ausencia en cuanto a la trama, sin embargo, aunque se aborde una historia manida, conjuga distintos factores que le aportan frescura.

Los personajes están bien definidos, con las personalidades marcadas y cada uno se hace apreciar por sus características propias. En particular es destacable el personaje de Michael (el mejor amigo de Cameron) que, aunque secundario, es uno de los que más puntos humorísticos aportan al film.

El guion es inteligente, humorístico y sarcástico aunque demasiado elaborado y complicado para encajar en un contexto de instituto. Pero el realismo no es algo que se busque en este tipo de films, donde lo importante es una historia atractiva y final feliz y ambos objetivos son ampliamente alcanzados.

Lo mejor, sin duda alguna, es el reparto. La película merece la pena solo por los actores que en ella aparecen. En especial Julia Stiles (con su arrollarte personalidad), Heath Ledger (derrochando carisma) y Joseph Gordon-Levitt (adorable en todos los aspectos) son los que más brillan.

También son de agradecer, para los amantes de la literatura universal, las referencias a Shakespeare el cual no solo es nombrado de manera expresa en la película también de forma implícita con guiños hacia él (por ejemplo el personaje de Heath Ledger, se llama Patrick Verona).




lunes, 19 de mayo de 2014

MUÑECO DIABÓLICO

-¡Andy no! Amigos hasta el final ¿Recuerdas?
-Este es el final, amigo.

Ficha de la película:
Título original: Child's Play
Director: Tom Holland
Producción: David Kirschner
Duración: 97 minutos
Género: Terror
Actores principales: Catherine Hicks, Chris Sarandon, Alex Vincent, Brad Dourif, Dinah Manoff, Tommy Swerdlow, Jack Colvin
Lugar y año: Estados Unidos 1988

Sinopsis:
Charles Lee Ray (alias Chuky) un peligroso criminal es por fin alcanzado por un policía, que lo acorrala en una tienda de juguetes. Herido de muerte, a causa de un disparo del agente, Charles Lee Ray utiliza las técnicas esotéricas que ha aprendido para trasladar su alma a la de uno de los juguetes de la tienda. Ese juguete es robado posteriormente del lugar de los hechos por un mendigo y revendido a la madre de Andy, un niño que recibirá el muñeco como regalo por su cumpleaños.

Crítica:
Chucky es uno de los más famosos psico killers de la historia del cine. La saga cuenta con 6 películas a lo largo de las cuales va cambiando la orientación y el espíritu del film.
El concepto es difícil de desarrollar sin caer
en la comicidad, como ocurre con películas posteriores de la saga que acaban abandonando el género de terror para desembocar en humor negro, también entreteniendo para el espectador pero que debe ser valorado desde una óptica totalmente diferente).
A diferencia de otras películas que usan el sonido para introducir la acción y prevenir al espectador, como Psicosis, este mismo usa el sonido para engañar a la audiencia, a menudo reservando el silencio para las escenas de acción.

El terror que podemos apreciar en “Muñeco diabólico”  no es un terror psicológico, tampoco un terror visceral, se trata realmente un terror basado en los sustos y las sorpresas manteniendo en tensión a la audiencia.
Al principio del film los ataques son realizados desde el punto de vista de Chucky, reservando para un momento posterior las esperadas imágenes del muñeco cobrando vida.

 A diferencia de casi todos los asesinos en serie del cine de terror Chuky no tiene un arma predilecta, al menos en esta primera parte de la saga. Las cuatro muertes que se producen durante el desarrollo de la trama son casa producidas con un recurso diferente. 
Esto resulta imaginativo y creativo ya que el hecho de que el asesino mida poco más de 50 centímetros de altura limita mucho la posibilidad de sus ataques.


Por último destacar el final que no es rápido ni apresurado como en otras películas que deja al espectador con ganas de un poco más de acción, sino todo lo contrario, es intenso y reserva unas cuentas sorpresas muy de agradecer. Regala sustos hasta el último minuto.

sábado, 17 de mayo de 2014

OCHO APELLIDOS VASCOS

-Supongo que tenía que pasar.
-Igual no.

Ficha de la película:


Título original: ocho apellidos vascos
Director: Emilio Martínez-Lázaro
Producción: Lazonafilms / Kowalski Films / Telecinco Cinema
Duración: 98 minutos
Género: Cómedia Romántica
Actores principales: Dani Rovira, Clara Lago, Carmen Machi, Karra Elejalde, Alfonso Sánchez, Alberto López, Aitor Mazo, Lander Otaola
Lugar y año: España año 2014

Sinopsis:

Amaia (Clara Lago) es una joven vasca que tras ver cancelada su boda con Antxon viaja con unas amigas a Sevilla donde conoce a Rafa (Dani Rovira) el cual queda enseguida prendado de esta. Amaia deja olvidado su bolso en casa de Rafa y esto ayuda al sevillano a seguirle la pista hasta el País vasco, donde Amaia le pide que se haga pasar por su ex novio Antxon.

Crítica:

Ocho apellidos vascos es una comida romántica española recientemente estrenada. La película ha sido la más taquillera de la historia del cine español siendo acogida calurosamente por el público y por la crítica.

La película cumple con su objetivo de entretener al espectador valiéndose para ello de un humor basado en los tópicos autonómicos.
Sin embargo, más allá de cosechar risas en la audiencia el film carece de sustancia en cuanto a la trama la cual destaca por su sencillez y simpleza y mediocridad.

La interpretación de los dos coprotagonistas, Dani Rovira y Clara Lago es la más destacable en cuanto a realismo, aunque la escasa complejidad emocional de sus personajes tampoco requería un gran esfuerzo escénico. Al margen de estos, hay ciertos personajes que se muestran forzados y artificiales, exagerando demasiado sus personalidades y llegando así a  desencadenar en la sobreactuación. Esto resta credibilidad al film pero contribuye con el espíritu cómico del mismo.

La ambientación es uno de los puntos fuertes de “ocho apellidos vascos”. Los espacios están decorados de forma inteligente y además de ayudar al público a situase en el contexto espacial de la historia refuerza la jocosidad de la misma.

El final resulta predecible y se aprecia la clara intención de satisfacer al público sacrificando con ello la originalidad. El desenlace está únicamente encaminado a dejar con buen sabor de boca a la audiencia. El método empleado a tal fin es la conjunción de factores entre un final feliz y una melodía conocida que permite conectar psicológicamente con la trama.

viernes, 16 de mayo de 2014

LOS PÁJAROS

-¿No siente remordimiento?
-¿Remordimiento por qué?
-Por tener a estas inocentes criaturas enjauladas.

Ficha de la película:
Título original: The Birds
Director: Alfred Hitchcock
Producción: Alfred Hitchcock
Duración: 115 minutos
Género: terror
Actores principales: Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Pleshette, Veronica Cartwright, Ethel Griffies, Charles McGraw, Doreen Lang, Ruth McDevitt, Joe Mantell, Alfred Hitchcock
Lugar y año: Estados Unidos año 1963

Sinopsis:
Melanie Daniels (Tippi Hedren) es una joven adinerada que conoce en una pajarería a Mitch Brenner (Rod Taylor). A raíz de este encuentro Melanie investiga sobre quién es él y dónde vive, así se desplaza hasta Bodega Bay y se presenta en su casa con dos periquitos como regalo para la hermana menor de este, que cumple 11 años. Una vez allí comprueba que los pájaros de la zona están teniendo un extraño comportamiento.

Crítica:
“Los pájaros” lleva la firma indiscutible de Alfred Hitchcock. Comienza con una larga introducción que permite al espectador familiarizarse con los personajes, al igual que ocurre en otras grandes películas de este director como “Psicosis”. Al mismo tiempo estas dilatadas presentaciones producen una sensación de confianza en el espectador que contrastan con la posterior acción del film.

La película, desgraciadamente, adolece de un defecto inevitable para la época en que se rodó: hay momentos en que la figura de los pájaros se ve demasiado artificial, así como la sangre. Hoy en día un fallo así no sería tolerable, sin embargo la calidad técnica dentro del contexto en el que se filmó no es reprochable.

A pesar de que esta película cuenta con grandes escenas (como por ejemplo en la que  Melanie se refugia dentro de una cabina telefónica, o cuando ella y la familia Brenner se dirigen al coche) La mejor, sin duda,  es la escena en la que Melanie está sentada en un banco del patio de la escuela y los pájaros van posándose en los columpios a sus espaldas sin que ella perciba esta circunstancia hasta que todo el patio está infestado de aves.

Un punto a favor de “Los pájaros” es su atrevimiento al convertir a niños en el objeto de alguno de los ataques de los pájaros. Normalmente en el cine los niños suelen ser “intocables” de modo que acaban saliendo airosos de todas las situaciones peligrosas, sin embargo en un par de escenas son agredidos por los pájaros incluso con más fiereza que a los adultos que los acompañan y tratan de protegerlos.

El film gana en tensión y realismo al renunciar a la banda sonora y conjugar grandes silencios con el intenso piar de los pájaros, logrando así mayor protagonismo para estos.


En el plano interpretativo, la actriz protagonista, Tippi Hedren, es la que menos destaca. Sin embargo esto no quiere decir que su interpretación sea mala (aunque brillante no es) si no que no es tan intensa como la proyectada por el resto del reparto.

jueves, 15 de mayo de 2014

EL RESPLANDOR

“existen lugares que son como las personas, unos resplandecen, y otros no”

Ficha de la película:
Título original: The Shining
Director: Stanley Kubrick
Producción: Stanley Kubrick
Duración: 146  minutos
Género: terror
Actores principales: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Lia Beldam, Billie Gibson, Barry Dennen, David Baxt, Manning Redwood, Lisa Burns, Louise Burns, Alison Coleridge, Norman Gay
Lugar y año: Estados Unidos 1980

Sinopsis:
Jack Torrance es un escritor que es contratado para ocuparse del mantenimiento del hotel Overlook durante los meses que dura el invierno y este permanece cerrado. A Jack esto le parece una excelente oportunidad para trabajar en su nuevo libro. Antes de su trasladarse hasta allí es avisado de que en ese lugar, unos años antes, y debido a la sensación de aislamiento, el vigilante del hotel enloqueció y mato a su esposa y a sus dos hijas. A pesar de esta información, que poco impresiona a Jack, este se traslada hasta allí con su mujer Wendy y su hijo Danny.

Crítica:
Una de las películas de terror más abstractas de toda la historia del cine. No es fácil para el espectador llegar a comprender en una primera visualización toda la trama de la historia. Esta no es presentada al público de forma sencilla y desenfada, sino todo lo contrario, se requiere un esfuerzo mental para llegar a conectar con la historia.

Hay ciertas escenas que simplemente parecen no encajar ni guardar ningún tipo de relación con la historia principal y precisamente son estas escenas las que aportan ese toque de compleja originalidad que hace a “El resplandor” una película única.

Es muy destacable la conjunción de distintos elementos, como la fuerza del personaje principal, las imagines de terror (ejemplos de esto son el río de sangre, las gemelas descuartizadas o la palabra REDURM en la puerta...) y el acompañamiento sonoro del film (como el pitido agudo que se hace cada vez más intenso)
Los movimientos de cámara son fantásticos. Un ejemplo de esto es cuando Danny va por el pasillo con su triciclo pedaleando y la cámara lo sigue (en esta escena el trabajo de sonido es brillante) y también la escena de Jack atrapado dentro del congelador con la cámara enfocándolo desde abajo.

Llega un momento en la película en que ya no se sabe que es lo real y que es producto de la imaginación de los protagonistas.
La película plantea gran número de interrogantes y de hipótesis acerca de porqué enloquece Jack. Hay muchas preguntas sobre las que simplemente no se puede llegar a una certeza absoluta y eso es lo que incentiva la imaginación del espectador, involucrándolo en la película y al mismo tiempo aumenta el terror y el suspense (al fin y al cabo el miedo a lo desconocido es uno de los temores más comunes en el ser humano). Sin embargo dicho esto, no habría estado demás haber atado por lo menos alguno de los múltiples cabos sueltos para satisfacer la curiosidad del espectador.

No se puede mencionar “El resplandor” si hacer alusión a Jack Nicholson cuya interpretación es soberbia. Sin embargo, aunque su papel es indiscutiblemente el mejor, Shelley Duvall (Wendy) consigue también alcanzar un nivel más que correcto bajo la exigente dirección de Stanley Kubrick. Incluso Danny Lloyd (Danny) a su temprana edad destaca de forma muy positiva.



domingo, 11 de mayo de 2014

MEJOR IMPOSIBLE

“Lo que lo hace tan duro no es que tú lo hayas pasado mal sino que te pone a parir que tantos otros lo hayan pasado bien”

Ficha de la película:

Título original: As Good As It Gets
Director: James L. Brooks
Producción: James L. Brooks, Bridget Johnson, Kristi Zea
Duración: 138 minutos
Género: Comedia romántica/ Drama
Actores principales: Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding Jr., Skeet Ulrich, Shirley Knight, Jesse James, Lawrence Kasdan, Yeardley Smith, Lupe Ontiveros, Maya Rudolph, Tara Subkoff, Lisa Edelstein, Jamie Kennedy, Harold Ramis, Julie Benz
Lugar y año: Estados Unidos 1997

Sinopsis:
Melvil Udall (Jack Nicholson) es un hombre que vive atrapado en sus obsesiones y su rutina, la cual nunca permite que se vea alterada. Un día, durante un atraco, su vecino Simon Bishop (Greg Kinnear), sufre unas serias lesiones que le obligan ingresar en el hospital. Amenazado por la pareja de Simon, Melvil se hace cargo del perro de este. El tener a su cargo un animal obliga a Melvin a llevar a cabo una serie de cambios en su vida y al mismo tiempo comienza a conocer de manera más personal a Carol Connelly (Helen Hunt), la cámara del restaurante donde come cada día.

Crítica:
Es una película original, de temática peculiar, que trata alguno de problemas más comunes de la sociedad actual como los trastornos psicológicos, las dificultades económicas o los problemas familiares.

La película lejos de enfocar estos temas desde una perspectiva superficial ahonda en ellos utilizando para esta tarea la vida de tres personajes. Estos son Melvin, Simon y Carol los cuales poco tiene que ver entre sí, sin embargo todos tienen en común el haber sufrido importantes obstáculos en su vida.

Sin duda el punto fuerte de esta película es el fantástico Jack Nicholson, (aunque el guion tampoco se queda atrás). En esta película el sublime Nicholson se remonta a uno de sus clásicos y vuelve a interpretar a un escritor con problemas mentales (aunque no tan severos como los que padece su personaje en “El resplandor”).

La interpretación a pesar de su complejidad, es impecable. La dificultad interpretativa se debe a la poliédrica personalidad de Melvin, el cual no solo padece un trastorno obsesivo compulsivo sino que además es homófobo, xenófobo, misógino y antisemita. A pesar de esto logra hacerse querer por el espectador mostrando por otro lado sus cualidades emocionales, como la generosidad, la creatividad y en el fondo un gran corazón.  Todo esto logra transmitirlo Jack Nicholson mediante un impecable lenguaje no verbal, usando su cuerpo y en especial su rostro.


La película es una estupenda comedia que transmite el humor mediante la ironía el sarcasmo y la excentricidad del protagonista. El equilibrio de la película se logra mediante grandes dosis de drama y momentos de tensión que hacen al espectador ponerse en el lugar de los personajes y empatizar con estos.

Por último me gustaría destacar la pequeña aparición de Skeet Ulrich en el film interpretando a Vincent Lopiano (el modelo que atraca a Simon junto a sus compinches), en un registro interpretativo totalmente diferente al que nos mostró en “Scream” encarnando a Billy Loomis, uno de los personajes del film.


martes, 6 de mayo de 2014

VIERNES 13

“Nunca volverás, chica”

Ficha de la película:
Título original: Friday the 13th
Director: Sean S. Cunningham
Producción: Sean S. Cunningham
Duración: 95 minutos
Género: terror
Actores principales: Betsy Palmer, Adrienne King, Harry Crosby, Laurie Bartram, Kevin Bacon, Robbi Morgan, Mark Nelson, Tom Savini
Lugar y año: estados unidos 1980

Sinopsis:
En un campamento de verano situado junto al lago “Crystal Lake” durante las vacaciones un niño llamado Jason Voorhees muere ahogado sin que los monitores del campamento estuviesen vigilando. Tiempo más tarde ambos son asesinados.
El campamento desde 1957 (que es cuando tuvieron lugar esos sucesos) queda cerrado, pero ahora, en 1980 ha vuelto abrirse y un grupo de jóvenes se dirige hacia allí para prepararse como monitores del mismo.
.
Crítica:
Viernes 13 es una de las películas más famosas del género de terror, incluso los que no son amamantes de este tipo de películas han oído hablar alguna vez de ella sin embargo, a pesar de su fama, los que solo la conocen de oídas incurren siempre en el mismo error: señalar a Jason Voorhees, el corpulento hombre con una máscara de hockey,  como el asesino principal., (para empezar, la máscara de hockey es un elemento que no aparece hasta la tercera película de la saga).

Viernes 13 cuenta con 10 secuelas y un remake, lo que hace un total de 12 películas en torno a la historia de Jason. Es cierto que este es el asesino principal en la mayor parte de ellas (y digo en la mayor parte porque en la película número 5 el asesino es un hombre que suplanta la identidad de Jason para cometer sus crímenes), y en la película principal la asesina es la madre de Jason, vengándose por el hecho de que que no vigilasen a su hijo y este se ahogara).

El número de muertes en la película es muy elevado si lo comparamos con otras del mismo corte como "Pesadilla en Elm Street", "Halloween" o "El muñeco diabólico". Esto aumenta la violencia del film pero al mismo tiempo impide un desarrollo en condiciones de los personajes, que mueren antes de que nos dé tiempo a familiarizarnos con ellos. Esto impide la empatía que es uno de los recursos usados en el cine de terror para aumentar el factor miedo.

El hecho de que hasta el final no se vea la figura de la asesina hace que necesariamente los ataques sean sorpresivos para las víctimas, pues en las escenas de enfrentamientos es inevitable el ver (al menos parcialmente) el cuerpo del asesino.
Unido a esto se usa la técnica de poner al espectador en el punto de vista del enemigo lo cual hace que se pierdan grandes escenas de lucha pero esto se ve compensado con la persecución y ataque final que resultan memorables.

Por último, no se puede pasar por alto, que Pamela Voorhees es una de las pocas psico killers femeninas de la historia del cine.

domingo, 4 de mayo de 2014

SOY LEYENDA

“Hay que iluminar la oscuridad”


Ficha dela película:
Título original: I Am Legend
Director: Francis Lawrence
Producción: David Heyman, Akiva Goldsman, Neal Moritz, Erwin Stoff
Duración: 100 minutos
Género: ciencia ficción/terror
Actores principales: Will Smith, Alice Braga, Salli Richardson-Whitfield, Paradox Pollack, Charlie Tahan, Willow Smith, Darrell Foster, Emma Thompson
Lugar y año: estados unidos 2007

Sinopsis:
Es el año 2012 y el virus que en principio iba a ser la cura del cáncer se ha propagado por el aire afectando prácticamente a todos los seres humanos y convirtiéndolos en zombies agresivos. Sin embargo el doctor Robert Neville (Will Smith) es inmune a este virus y pasa los días, sin más compañía que su Pastor Alemán, Sam y experimentando con ratones para encontrar una cura a esta letal epidemia.

Critica:
Soy leyenda es una película de zombies de nueva generación. No se trata ya de los zombies del cine clásico como los que podíamos encontrar en “la noche de los muertos vivientes” (1968) o “Evil dead” (1981) que mezcla la posesión con el fenómeno zombie.
Los zombies actuales destacan por surgir a consecuencia de extrañas modificaciones genéticas o peligrosos virus infecciosos (como es el caso de esta película). Así la explicación que se da en estos nuevos films está más actualizada a los tiempos modernos.
Dejando a un lado el debate sobre cuáles son las mejores películas de zombies (las clásicas o las modernas), soy leyenda es una buena película del género protagonizada por el gran Will Smith. Este hace un papel excelente, aunque la rama en la que más destaca sea en la comedia, dentro de escenarios más dramáticos su interpretación no desmerece en absoluto.
Por otra parte el escenario post apocalíptico en el que se desarrolla el film está bastante logrado al igual que los zombies, aunque podrían ser mejorables.
El reparto es escaso, no en vano la raza humana se ha extinguido y esto, en guion, da grandísimas dificultades a la hora de introducir diálogos, a pesar de esto la película salva el obstáculo mediante el uso de flashback. Esto unido a la potente acción del fillm impide que este se vuelva monótono y carente de sustancia.
Aunque la película en general es atrayente el final en absoluto es el adecuado. Quisieron dar un punto trágico a la película para hacerla más memorable, más épica, más legendaria, sacrificando al protagonista en un acto de heroísmo. Sin embargo este drama era absolutamente innecesario.

El espectador ya se había familiarizado con Robert y le había cogido cariño a este valiente personaje. Es por esto que si la introducción de alguna muerte hubiese sido indispensable para llegar al final en el que la película desemboca debería haberse optado por la muerte de otro personaje. Además la dosis de tragedia ya había sido aportada previamente con la muerte de Sam, por lo tanto lo que procedía en este caso era un final un poco menos amargo.

sábado, 3 de mayo de 2014

BAIT 3D

-¿Qué vamos a hacer ahora?
-Empezar de nuevo.

Ficha de la película:
Título original: Bait 3D
Director: Kimble Rendall
Producción: Gary Hamilton, Todd Fellman, Peter Barber
Duración: 93minutos
Género: terror
Actores principales: Xavier Samuel, Sharni Vinson, Julian McMahon, Phoebe Tonkin, Cariba Heine, Alice Parkinson, Lincoln Lewis, Alex Russell, Dan Wyllie, Richard Brancatisano, Joel Amos Byrnes, Ashton Chen, Adrian Pang
Lugar y año: Australia  2012

Sinopsis:
Josh es guardacostas y trabaja con Rory, su amigo y además el hermano de su prometida Tina. Una mañana Rory se encarga de las funciones de Josh para hacerle un favor,  ya que este no se encontraba muy bien y es durante estos momentos cuando es ataca por un tiburón. Tras la muerte de Rory, Tina y Josh se separan y un año después se reencuentran en un supermercado en el cual trabaja ahora Josh. Mientas el supermercado está siendo atracado se produce un tsunami que lo arrasa, inunda y trae con el dos tiburones.

Crítica:
Bait 3D es una buena película de tiburones para el marco en el que nos movemos actualmente dentro del género. Sin embargo la película debe ser valorada después de los créditos iniciales ignorando con ello la primera escena.

Bait aparece en pantalla con una pésima carta de presentación. El primer contacto del espectador con un tiburón no podía ser más nefasto. La escena carece absolutamente de realismo. La sangre no podría ser más falsa con un color rojo demasiado intenso y el tiburón parece saldo de un videojuego. El efecto 3D está realmente mal aplicado y por si eso fuera poco se aprecia claramente que el cuerpo de la primera víctima es un maniquí. Pero para satisfacción del público a medida que avanza la trama la calidad técnica del film mejora muchísimo.
Salvando este defecto garrafal el resto de aspectos de la película son correctos. El hecho de desarrollarse en un medio que no es naturalmente acuático (un supermercado inundado) es el elemento distintivo del film.
El reparto deja caras conocidas como Julian McMahon (uno de los mejores actores de la popular serie “Embrujadas”) que interpreta a Doyle, en un papel de atracador con buen corazón. Además el papel de Tina está interpretado por Sharni Vinson la protagonista del film de terror “you're next.
Otro punto a favor de la película es la pluralidad de personajes y la diversidad en los perfiles de los mismos, esto es algo que enriquece la historia.
Es de destacar que la figura del tiburón se ajusta bastante a la realidad. No son tiburones excesivamente grandes (como el que aparece en la deplorable película “Shark attack 3: Megalodón”) ni particularmente inteligentes (como los tiburones Mako de “Deep blue sea”) y por suerte tampoco absolutamente ficticios (un ejemplo de esto es la atroz película: “el ataque del tiburón de dos cabezas”).

Por último hacer mención a la muerte de Steven que aporta sentimentalismo al film y sorprende al espectador pues en una película de tiburones se espera que todas las muertes se produzcan a causa de estos.

jueves, 1 de mayo de 2014

GREASE

¿Estás disponible, nene?

Ficha de la película:
Título original: Grease
Director: Randal Kleiser
Producción: Allan Karr, Robert Stigwood
Duración: 110 minutos
Género: musical/comedia romantica
Actores: John Travolta, Olivia Newton-John, Stockard Channing, Jeff Conaway, Didi Conn, Lorenzo Lamas, Dinah Manoff, Barry Pearl, Michael Tucci
Lugar y año: Estados Unidos 1978

Sinopsis:
Danny Zuko y Sandy Olsson se conocen un verano, se enamoran y se separan al final de las vacaciones creyendo que no volverán a verse, pues cada uno volvería a sus respectivas ciudades. Sin embargo Sandy acaba mudándose con su familia a la ciudad de Danny e incluso asistiendo a su mismo instituto donde conocerá a las damas rosas y descubrirá que Danny no es el mismo que ella conoció en la playa.

Crítica:
Un musical mítico basado en la intermitente historia de amor de Danny Zuko y Sandy Olsson.
Tiene grandes momentos de humor tanto intercalado en los diálogos como en las propias canciones.

La película refleja en el guion algunos de los problemas de la juventud ya sea la juventud de los años 50 (en los que se basa la película) o la juventud actual, pues son problemas que persisten en el tiempo. Entre ellos está el fracaso escolar, embarazo adolescente, enfrentamientos con las pandillas rivales, discusiones con los amigos…

A pesar de que es una buena película y que gusta al público tiene algunos fallos.
Es cierto que tanto Olivia Newton-John como John Travolta brillan en sus papeles, sin embargo el reparto adolece en general de un defecto común: los actores elegidos son demasiado mayores para encarnar personajes adolescentes. La propia Olivia Newton-John  interpreta a una alumna de instituto con 30 años.

Otro de las quejas que pueden darse respecto a la película es que tal vez haga un flaco favor a las jóvenes "aconsejando" a estas a cambiar su personalidad para atraer la atención de un chico.


Esta pega puede borrarse si entendemos que Sandy no cambia su manera de actuar por Danny sino por ella mima. Es decir logra romper su burbuja de timidez y mostrar a los demás como es ella en realidad (para mi mucho menos mojigata y empalagosa).

PD: adjunto una de las canciones:


PESADILLA EN ELM STREET

-¡Qué resplandor!
-Se apagará enseguida, de otro modo no brillaría tanto.

Ficha de la película:
Título original: A Nightmare on Elm Street
Director: Wes Craven
Producción: Robert Shaye
Duración: 91 minutos
Género: terror
Actores: Heather Langenkamp, Robert Englund, Johnny Depp, John Saxon, Charles Fleischer, Nick Corri, Amanda Wyss, Ronee Blakley
Lugar y año: Estados Unidos 1984

Sinopsis:
Los adolescentes de una pequeña ciudad empiezan a sufrir extrañas pesadillas. Todas ellas atemorizantes y con un factor común: protagonizadas por el mismo hombre, un misterioso personaje con la piel quemada, un gorro y en una de sus manos un guante con afiladas cuchillas a modo de garra. Pronto las pesadillas comienzan a tener consecuencias en la vida real pues los daños que los jóvenes sufren en sus sueños trascienden a la realidad.

Crítica:
Pesadilla en Elm Street es una película que en primer término destaca por su guión, este es obra de un genio del cine de terror Wes Craven (el cual también dirige magníficamente el film)
Dicha originalidad radica precisamente en el modo de presentación del asesino principal. Este ataca en las pesadillas. Las pesadillas ya de por sí y sin efectos materiales sobre aquel que las sufre son un miedo común en la mayor parte de la población, por lo tanto al dotar a las pesadillas de poder sobre nuestra integridad física se elevada de manera considerable el factor terror. Otro punto de originalidad es el arma usada. Esta es un arma que solo usa Freddy Krueger. No es como un cuchillo de carnicero, (un arma mucho más conocida que veremos compartir a otros asesinos como Michael Myers o Chucky) si no un guante con cuchillas, un arma que no solo no es usada por ningún otro asesino del cine sino que además no es un objeto que tenga otros usos en la vida cotidiana (como la motosierra de Leatherface)

La interpretación de Robert Englund es soberbia. Tanto es así que él ha protagonizado todas y cada una de las secuelas de esta gran saga excepto la precuela/remake de 2010. Aunque también es cierto que a pesar del pesado maquillaje los rasgos del actor pueden apreciarse y por ello es más difícil cambiar al protagonista como se ha hecho en casos en que el asesino lleva una máscara (leatherface, Michael Myers, Ghostface Jason Voorhees….).


Es de destacar la primera de las muertes. No es la típica primera muerte de las películas de terror en la que no se ve el ataque efectivo a la víctima de hecho, de todas las muertes que se producen a lo largo de hora y media de duración, es la más espectacular, detallada y bastante bien hecha para los escasos recursos en materia de efectos especiales de la época. A diferencia de otras películas de terror en las cuales se pasa de puntillas por la primera muerte (la cual consideran un requisito para introducir al espectador en el género de terror) en esta podemos ver más sangre aunque sin llegar al punto del gore.