10 RAZONES PARA ODIARTE

“Nunca permitas que nadie te haga sentir que no te mereces lo que quieres.”

Ficha de la película:

Título original: 10 Things I Hate About You

Director: Gil Junger

Producción:  Andrew Lazar

Duración: 97 minutos

Género: cómedia romántica

Actores principales: Julia Stiles, Heath Ledger, Joseph Gordon-Levitt, Larisa Oleynik, Larry Miller, Andrew Keegan, David Krumholtz, Susan May Pratt, Gabrielle Union, Larry Miller, Daryl Mitchell, Allison Janney

Lugar y año: Estados Unidos año 1999

Sinopsis:

Bianca y Kat son dos hermanas totalmente diferentes. Bianca es extrovertida y popular mientras que Kat es antisocial, decidida y apasionada. Ambas van al mismo instituto al que llega nuevo Cameron, un chico que se enamora de Bianca nada más verla. Pronto descubre que salir con ella será más difícil de lo que él cree ya que su controlador padre no deja salir a Bianca si no lo hace también Kat. Es por esto que Cameron se las ingenia para buscarle un novio a Kat: el chico malo del instituto.

Crítica:

10 razones para odiarte es la típica comedia romántica para adolescentes. Tiene todos los elementos comunes de este subgénero del cine. Adolescentes confusos y diferentes a los que les cuesta encajar en la sociedad y que tienen idas y venidas en sus relaciones amorosas, amistosas y familiares. Esto hace que la originalidad destaque por su ausencia en cuanto a la trama, sin embargo, aunque se aborde una historia manida, conjuga distintos factores que le aportan frescura.

Los personajes están bien definidos, con las personalidades marcadas y cada uno se hace apreciar por sus características propias. En particular es destacable el personaje de Michael (el mejor amigo de Cameron) que, aunque secundario, es uno de los que más puntos humorísticos aportan al film.

El guion es inteligente, humorístico y sarcástico aunque demasiado elaborado y complicado para encajar en un contexto de instituto. Pero el realismo no es algo que se busque en este tipo de films, donde lo importante es una historia atractiva y final feliz y ambos objetivos son ampliamente alcanzados.

Lo mejor, sin duda alguna, es el reparto. La película merece la pena solo por los actores que en ella aparecen. En especial Julia Stiles (con su arrollarte personalidad), Heath Ledger (derrochando carisma) y Joseph Gordon-Levitt (adorable en todos los aspectos) son los que más brillan.

También son de agradecer, para los amantes de la literatura universal, las referencias a Shakespeare el cual no solo es nombrado de manera expresa en la película también de forma implícita con guiños hacia él (por ejemplo el personaje de Heath Ledger, se llama Patrick Verona).

MUÑECO DIABÓLICO

-¡Andy no! Amigos hasta el final ¿Recuerdas?

-Este es el final, amigo.

Ficha de la película:

Título original: Child's Play

Director: Tom Holland

Producción: David Kirschner

Duración: 97 minutos

Género: Terror

Actores principales: Catherine Hicks, Chris Sarandon, Alex Vincent, Brad Dourif, Dinah Manoff, Tommy Swerdlow, Jack Colvin

Lugar y año: Estados Unidos 1988

Sinopsis:

Charles Lee Ray (alias Chuky) un peligroso criminal es por fin alcanzado por un policía, que lo acorrala en una tienda de juguetes. Herido de muerte, a causa de un disparo del agente, Charles Lee Ray utiliza las técnicas esotéricas que ha aprendido para trasladar su alma a la de uno de los juguetes de la tienda. Ese juguete es robado posteriormente del lugar de los hechos por un mendigo y revendido a la madre de Andy, un niño que recibirá el muñeco como regalo por su cumpleaños.

Crítica:

Chucky es uno de los más famosos psico killers de la historia del cine. La saga cuenta con 6 películas a lo largo de las cuales va cambiando la orientación y el espíritu del film.

El concepto es difícil de desarrollar sin caer

en la comicidad, como ocurre con películas posteriores de la saga que acaban abandonando el género de terror para desembocar en humor negro, también entreteniendo para el espectador pero que debe ser valorado desde una óptica totalmente diferente).
A diferencia de otras películas que usan el sonido para introducir la acción y prevenir al espectador, como Psicosis, este mismo usa el sonido para engañar a la audiencia, a menudo reservando el silencio para las escenas de acción.

El terror que podemos apreciar en “Muñeco diabólico”  no es un terror psicológico, tampoco un terror visceral, se trata realmente un terror basado en los sustos y las sorpresas manteniendo en tensión a la audiencia.

Al principio del film los ataques son realizados desde el punto de vista de Chucky, reservando para un momento posterior las esperadas imágenes del muñeco cobrando vida.

 A diferencia de casi todos los asesinos en serie del cine de terror Chuky no tiene un arma predilecta, al menos en esta primera parte de la saga. Las cuatro muertes que se producen durante el desarrollo de la trama son casa producidas con un recurso diferente. 

Esto resulta imaginativo y creativo ya que el hecho de que el asesino mida poco más de 50 centímetros de altura limita mucho la posibilidad de sus ataques.

Por último destacar el final que no es rápido ni apresurado como en otras películas que deja al espectador con ganas de un poco más de acción, sino todo lo contrario, es intenso y reserva unas cuentas sorpresas muy de agradecer. Regala sustos hasta el último minuto.

OCHO APELLIDOS VASCOS

-Supongo que tenía que pasar.

-Igual no.

Ficha de la película:

Título original: ocho apellidos vascos

Director: Emilio Martínez-Lázaro

Producción: Lazonafilms / Kowalski Films / Telecinco Cinema

Duración: 98 minutos

Género: Cómedia Romántica

Actores principales: Dani Rovira, Clara Lago, Carmen Machi, Karra Elejalde, Alfonso Sánchez, Alberto López, Aitor Mazo, Lander Otaola

Lugar y año: España año 2014

Sinopsis:

Amaia (Clara Lago) es una joven vasca que tras ver cancelada su boda con Antxon viaja con unas amigas a Sevilla donde conoce a Rafa (Dani Rovira) el cual queda enseguida prendado de esta. Amaia deja olvidado su bolso en casa de Rafa y esto ayuda al sevillano a seguirle la pista hasta el País vasco, donde Amaia le pide que se haga pasar por su ex novio Antxon.

Crítica:

Ocho apellidos vascos es una comida romántica española recientemente estrenada. La película ha sido la más taquillera de la historia del cine español siendo acogida calurosamente por el público y por la crítica.

La película cumple con su objetivo de entretener al espectador valiéndose para ello de un humor basado en los tópicos autonómicos.

Sin embargo, más allá de cosechar risas en la audiencia el film carece de sustancia en cuanto a la trama la cual destaca por su sencillez y simpleza y mediocridad.

La interpretación de los dos coprotagonistas, Dani Rovira y Clara Lago es la más destacable en cuanto a realismo, aunque la escasa complejidad emocional de sus personajes tampoco requería un gran esfuerzo escénico. Al margen de estos, hay ciertos personajes que se muestran forzados y artificiales, exagerando demasiado sus personalidades y llegando así a  desencadenar en la sobreactuación. Esto resta credibilidad al film pero contribuye con el espíritu cómico del mismo.

La ambientación es uno de los puntos fuertes de “ocho apellidos vascos”. Los espacios están decorados de forma inteligente y además de ayudar al público a situase en el contexto espacial de la historia refuerza la jocosidad de la misma.

El final resulta predecible y se aprecia la clara intención de satisfacer al público sacrificando con ello la originalidad. El desenlace está únicamente encaminado a dejar con buen sabor de boca a la audiencia. El método empleado a tal fin es la conjunción de factores entre un final feliz y una melodía conocida que permite conectar psicológicamente con la trama.

LOS PÁJAROS

-¿No siente remordimiento?
-¿Remordimiento por qué?
-Por tener a estas inocentes criaturas enjauladas.

Ficha de la película:

Título original: The Birds

Director: Alfred Hitchcock

Producción: Alfred Hitchcock

Duración: 115 minutos

Género: terror

Actores principales: Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Pleshette, Veronica Cartwright, Ethel Griffies, Charles McGraw, Doreen Lang, Ruth McDevitt, Joe Mantell, Alfred Hitchcock

Lugar y año: Estados Unidos año 1963

Sinopsis:

Melanie Daniels (Tippi Hedren) es una joven adinerada que conoce en una pajarería a Mitch Brenner (Rod Taylor). A raíz de este encuentro Melanie investiga sobre quién es él y dónde vive, así se desplaza hasta Bodega Bay y se presenta en su casa con dos periquitos como regalo para la hermana menor de este, que cumple 11 años. Una vez allí comprueba que los pájaros de la zona están teniendo un extraño comportamiento.

Crítica:

“Los pájaros” lleva la firma indiscutible de Alfred Hitchcock. Comienza con una larga introducción que permite al espectador familiarizarse con los personajes, al igual que ocurre en otras grandes películas de este director como “Psicosis”. Al mismo tiempo estas dilatadas presentaciones producen una sensación de confianza en el espectador que contrastan con la posterior acción del film.

La película, desgraciadamente, adolece de un defecto inevitable para la época en que se rodó: hay momentos en que la figura de los pájaros se ve demasiado artificial, así como la sangre. Hoy en día un fallo así no sería tolerable, sin embargo la calidad técnica dentro del contexto en el que se filmó no es reprochable.

A pesar de que esta película cuenta con grandes escenas (como por ejemplo en la que  Melanie se refugia dentro de una cabina telefónica, o cuando ella y la familia Brenner se dirigen al coche) La mejor, sin duda,  es la escena en la que Melanie está sentada en un banco del patio de la escuela y los pájaros van posándose en los columpios a sus espaldas sin que ella perciba esta circunstancia hasta que todo el patio está infestado de aves.

Un punto a favor de “Los pájaros” es su atrevimiento al convertir a niños en el objeto de alguno de los ataques de los pájaros. Normalmente en el cine los niños suelen ser “intocables” de modo que acaban saliendo airosos de todas las situaciones peligrosas, sin embargo en un par de escenas son agredidos por los pájaros incluso con más fiereza que a los adultos que los acompañan y tratan de protegerlos.

El film gana en tensión y realismo al renunciar a la banda sonora y conjugar grandes silencios con el intenso piar de los pájaros, logrando así mayor protagonismo para estos.

En el plano interpretativo, la actriz protagonista, Tippi Hedren, es la que menos destaca. Sin embargo esto no quiere decir que su interpretación sea mala (aunque brillante no es) si no que no es tan intensa como la proyectada por el resto del reparto.

EL RESPLANDOR

“existen lugares que son como las personas, unos resplandecen, y otros no”

Ficha de la película:

Título original: The Shining

Director: Stanley Kubrick

Producción: Stanley Kubrick

Duración: 146  minutos

Género: terror

Actores principales: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers, Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Lia Beldam, Billie Gibson, Barry Dennen, David Baxt, Manning Redwood, Lisa Burns, Louise Burns, Alison Coleridge, Norman Gay

Lugar y año: Estados Unidos 1980

Sinopsis:

Jack Torrance es un escritor que es contratado para ocuparse del mantenimiento del hotel Overlook durante los meses que dura el invierno y este permanece cerrado. A Jack esto le parece una excelente oportunidad para trabajar en su nuevo libro. Antes de su trasladarse hasta allí es avisado de que en ese lugar, unos años antes, y debido a la sensación de aislamiento, el vigilante del hotel enloqueció y mato a su esposa y a sus dos hijas. A pesar de esta información, que poco impresiona a Jack, este se traslada hasta allí con su mujer Wendy y su hijo Danny.

Crítica:

Una de las películas de terror más abstractas de toda la historia del cine. No es fácil para el espectador llegar a comprender en una primera visualización toda la trama de la historia. Esta no es presentada al público de forma sencilla y desenfada, sino todo lo contrario, se requiere un esfuerzo mental para llegar a conectar con la historia.

Hay ciertas escenas que simplemente parecen no encajar ni guardar ningún tipo de relación con la historia principal y precisamente son estas escenas las que aportan ese toque de compleja originalidad que hace a “El resplandor” una película única.

Es muy destacable la conjunción de distintos elementos, como la fuerza del personaje principal, las imagines de terror (ejemplos de esto son el río de sangre, las gemelas descuartizadas o la palabra REDURM en la puerta...) y el acompañamiento sonoro del film (como el pitido agudo que se hace cada vez más intenso)

Los movimientos de cámara son fantásticos. Un ejemplo de esto es cuando Danny va por el pasillo con su triciclo pedaleando y la cámara lo sigue (en esta escena el trabajo de sonido es brillante) y también la escena de Jack atrapado dentro del congelador con la cámara enfocándolo desde abajo.

Llega un momento en la película en que ya no se sabe que es lo real y que es producto de la imaginación de los protagonistas.

La película plantea gran número de interrogantes y de hipótesis acerca de porqué enloquece Jack. Hay muchas preguntas sobre las que simplemente no se puede llegar a una certeza absoluta y eso es lo que incentiva la imaginación del espectador, involucrándolo en la película y al mismo tiempo aumenta el terror y el suspense (al fin y al cabo el miedo a lo desconocido es uno de los temores más comunes en el ser humano). Sin embargo dicho esto, no habría estado demás haber atado por lo menos alguno de los múltiples cabos sueltos para satisfacer la curiosidad del espectador.

No se puede mencionar “El resplandor” si hacer alusión a Jack Nicholson cuya interpretación es soberbia. Sin embargo, aunque su papel es indiscutiblemente el mejor, Shelley Duvall (Wendy) consigue también alcanzar un nivel más que correcto bajo la exigente dirección de Stanley Kubrick. Incluso Danny Lloyd (Danny) a su temprana edad destaca de forma muy positiva.

MEJOR IMPOSIBLE

“Lo que lo hace tan duro no es que tú lo hayas pasado mal sino que te pone a parir que tantos otros lo hayan pasado bien”

Ficha de la película:

Título original: As Good As It Gets

Director: James L. Brooks

Producción: James L. Brooks, Bridget Johnson, Kristi Zea

Duración: 138 minutos

Género: Comedia romántica/ Drama

Actores principales: Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding Jr., Skeet Ulrich, Shirley Knight, Jesse James, Lawrence Kasdan, Yeardley Smith, Lupe Ontiveros, Maya Rudolph, Tara Subkoff, Lisa Edelstein, Jamie Kennedy, Harold Ramis, Julie Benz

Lugar y año: Estados Unidos 1997

Sinopsis:

Melvil Udall (Jack Nicholson) es un hombre que vive atrapado en sus obsesiones y su rutina, la cual nunca permite que se vea alterada. Un día, durante un atraco, su vecino Simon Bishop (Greg Kinnear), sufre unas serias lesiones que le obligan ingresar en el hospital. Amenazado por la pareja de Simon, Melvil se hace cargo del perro de este. El tener a su cargo un animal obliga a Melvin a llevar a cabo una serie de cambios en su vida y al mismo tiempo comienza a conocer de manera más personal a Carol Connelly (Helen Hunt), la cámara del restaurante donde come cada día.

Crítica:

Es una película original, de temática peculiar, que trata alguno de problemas más comunes de la sociedad actual como los trastornos psicológicos, las dificultades económicas o los problemas familiares.

La película lejos de enfocar estos temas desde una perspectiva superficial ahonda en ellos utilizando para esta tarea la vida de tres personajes. Estos son Melvin, Simon y Carol los cuales poco tiene que ver entre sí, sin embargo todos tienen en común el haber sufrido importantes obstáculos en su vida.

Sin duda el punto fuerte de esta película es el fantástico Jack Nicholson, (aunque el guion tampoco se queda atrás). En esta película el sublime Nicholson se remonta a uno de sus clásicos y vuelve a interpretar a un escritor con problemas mentales (aunque no tan severos como los que padece su personaje en “El resplandor”).

La interpretación a pesar de su complejidad, es impecable. La dificultad interpretativa se debe a la poliédrica personalidad de Melvin, el cual no solo padece un trastorno obsesivo compulsivo sino que además es homófobo, xenófobo, misógino y antisemita. A pesar de esto logra hacerse querer por el espectador mostrando por otro lado sus cualidades emocionales, como la generosidad, la creatividad y en el fondo un gran corazón.  Todo esto logra transmitirlo Jack Nicholson mediante un impecable lenguaje no verbal, usando su cuerpo y en especial su rostro.

La película es una estupenda comedia que transmite el humor mediante la ironía el sarcasmo y la excentricidad del protagonista. El equilibrio de la película se logra mediante grandes dosis de drama y momentos de tensión que hacen al espectador ponerse en el lugar de los personajes y empatizar con estos.

Por último me gustaría destacar la pequeña aparición de Skeet Ulrich en el film interpretando a Vincent Lopiano (el modelo que atraca a Simon junto a sus compinches), en un registro interpretativo totalmente diferente al que nos mostró en “Scream” encarnando a Billy Loomis, uno de los personajes del film.

VIERNES 13

“Nunca volverás, chica”

Ficha de la película:

Título original: Friday the 13th

Director: Sean S. Cunningham

Producción: Sean S. Cunningham

Duración: 95 minutos

Género: terror

Actores principales: Betsy Palmer, Adrienne King, Harry Crosby, Laurie Bartram, Kevin Bacon, Robbi Morgan, Mark Nelson, Tom Savini

Lugar y año: estados unidos 1980

Sinopsis:

En un campamento de verano situado junto al lago “Crystal Lake” durante las vacaciones un niño llamado Jason Voorhees muere ahogado sin que los monitores del campamento estuviesen vigilando. Tiempo más tarde ambos son asesinados.

El campamento desde 1957 (que es cuando tuvieron lugar esos sucesos) queda cerrado, pero ahora, en 1980 ha vuelto abrirse y un grupo de jóvenes se dirige hacia allí para prepararse como monitores del mismo.

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Crítica:

Viernes 13 es una de las películas más famosas del género de terror, incluso los que no son amamantes de este tipo de películas han oído hablar alguna vez de ella sin embargo, a pesar de su fama, los que solo la conocen de oídas incurren siempre en el mismo error: señalar a Jason Voorhees, el corpulento hombre con una máscara de hockey,  como el asesino principal., (para empezar, la máscara de hockey es un elemento que no aparece hasta la tercera película de la saga).

Viernes 13 cuenta con 10 secuelas y un remake, lo que hace un total de 12 películas en torno a la historia de Jason. Es cierto que este es el asesino principal en la mayor parte de ellas (y digo en la mayor parte porque en la película número 5 el asesino es un hombre que suplanta la identidad de Jason para cometer sus crímenes), y en la película principal la asesina es la madre de Jason, vengándose por el hecho de que que no vigilasen a su hijo y este se ahogara).

El número de muertes en la película es muy elevado si lo comparamos con otras del mismo corte como "Pesadilla en Elm Street", "Halloween" o "El muñeco diabólico". Esto aumenta la violencia del film pero al mismo tiempo impide un desarrollo en condiciones de los personajes, que mueren antes de que nos dé tiempo a familiarizarnos con ellos. Esto impide la empatía que es uno de los recursos usados en el cine de terror para aumentar el factor miedo.

El hecho de que hasta el final no se vea la figura de la asesina hace que necesariamente los ataques sean sorpresivos para las víctimas, pues en las escenas de enfrentamientos es inevitable el ver (al menos parcialmente) el cuerpo del asesino.

Unido a esto se usa la técnica de poner al espectador en el punto de vista del enemigo lo cual hace que se pierdan grandes escenas de lucha pero esto se ve compensado con la persecución y ataque final que resultan memorables.

Por último, no se puede pasar por alto, que Pamela Voorhees es una de las pocas psico killers femeninas de la historia del cine.