SOUL SURFER

“Dicen que tu hogar está donde está tu corazón”

Ficha de la película:

Título original: Soul Surfer

Director: Sean McNamara

Producción: David Zelon, Douglas Schwartz

Duración: 106 minutos

Género: Drama

Actores principales: AnnaSophia Robb, Dennis Quaid, Helen Hunt, Carrie Underwood, Ross Thomas, Lorraine Nicholson, Kevin Sorbo, Sonya Balmores

Lugar y año: Estados Unidos 2011

Sinopsis:

Bethany Hamilton es una niña de 13 años apasionada del surf tanto es así que quiere dedicar su vida profesional a este deporte. Una mañana decide ir a surfear como cada día con su amiga Alana pero sufre el terrible ataque de un tiburón el cual le devora uno de sus brazos. Aunque consigue sobrevivir deberá adaptarse a su nueva vida en la cual seguir en el surf no será tan fácil.

Crítica:

De entrada Soul Surfer es una película dramática por lo tanto el espectador va a experimentar sentimientos de aflicción que se verán agravados cuando se descubre que dicho film está basado en hechos reales y que una niña real llamada Bethany Hamilton sufrió dicha experiencia.

El rodaje de la película es muy bueno,

los movimientos de la cámara hacen al espectador sumergirse en la trama que ya de por sí es enfocada de forma bastante realista y siendo fiel a la historial autentica. Un ejemplo de esto son las escenas en las cuales se practica el deporte se surf pues la cámara hace sentir al público que está dentro de la ola.

Hay un fallo claro en la película y es el tratamiento técnico de la escena del tiburón. Es una escena muy rápida por lo que no es tan fácil apreciar las deficiencias pero si prestamos un poco de atención podemos observar que la figura del tiburón es totalmente falsa y artificial. Se ve claramente que está creado digitalmente. Es una lástima que no hayan prestado el debido cuidado a este efecto cuando el maquillaje y los efectos especiales usados en el brazo son muy buenos y con resultados muy realistas. Quizá la respuesta es que no quería darse demasiado protagonismo a esta parte de la historia y por el contrario centrar la trama en la auto superación de la protagonista. He de decir que si este es este el motivo quizá no debería haberse usado como imagen promocional del film la tabla con la mordedura del tiburón para tratar de atraer al público con este reclamo.

La interpretación es correcta aunque no memorable. Peca de poco pasional ya que una película de estas características tan cargada de sentimentalismo habría requerido una interpretación en ciertos aspectos más explosiva o intensa, sin embargo aunque no se alcanza este nivel no es una interpretación reprochable.

GRAVITY

“Aquí nadie puede hacerte daño, estás a salvo.”

Ficha de la película:

Título original: Gravity

Director: Alfonso Cuarón

Producción: David Heyman, Alfonso Cuarón

Duración: 90 minutos

Género: Ciencia ficción/ Drama

Actores principales: Sandra Bullock, George Clooney, Phaldut Sharma

Lugar y año: Estados Unidos 2013

Sinopsis:

La Doctora Ryan Stone es la encargada de una misión de reparación de una satélite. Para esta misión la acompaña Matt Kowalski quien le da importantes consejos que ayudaran a la Doctora Ryan a moverse en un espacio sin gravedad. Durante este proyecto les avisan de que un satélite ruso ha explotado y que sus restos se dirigen hacia allí. En efecto esto es lo que pasa y lo que provoca que la Doctora Ryan salga disparada lejos de su nave.

Crítica:

Si partimos de que la película está dirigida por Alfonso Cuarón (un directos bastante prometedor) con un reparto escaso pero de renombre, buenos efectos especiales y una historia en principio atrayente es lógico que pensemos que vamos a encontrarnos con una buena película.

Sin embargo algo salió mal al llevar a cabo la mezcla de estos ingredientes porque el resultado es nefasto. En primer lugar un reparto formado por solo dos actores implica una historia muy atrayente para poder mantener la acción y el interés del espectador. En este caso comienzan siendo dos actores pero a los 32 minutos de película uno de ellos desaparece dejándonos solo con un único personaje en escena, la Doctora Ryan.

A partir de este momento la película se vuelve muy pesada. Intenta darle emoción plagando la trama de múltiples accidentes que pondrán en aprietos a la Doctora pero serán acontecimientos confusos y poco desarrollados.

Lo mejor de la película es el uso que hacen en ella del sonido y de los silencios que ayuda bastante a ponerse en situación e intentar conectar con la trama lo cual es todo un desafío. Para esto también incluyen varios planos cortos del rostro de los protagonistas  pero sin lograr buenos resultados.

CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE

-“Creéis que es un genio y es un idiota”

Ficha de la película:

Título original: Charlie and the Chocolate Factory

Director: Tim Burton

Producción: Brad Grey, Richard D. Zanuck

Duración: 116 minutos

Género: Fántasia

Actores principales: Johnny Depp, Freddie Highmore, Helena Bonham Carter, David Kelly, Noah Taylor,

Missi Pyle, James Fox, Deep Roy, Christopher Lee, AnnaSophia Robb, Jordan Fry, Philip Wiegratz, Julia Winter

Lugar y año: Estados Unidos 2005

Sinopsis:

Charlie es un niño que lleva una vida muy humilde con su familia, formada por sus padres y sus dos abuelos paternos y maternos. La situación económica empeora aún más cuando su padre es despedido. Mientras tanto Willy Wonka, el maestro chocolatero reabre la fábrica de chocolate y para celebrarlo oferta la posibilidad a cinco niños de ir a visitar su fábrica. Para ello deberán encontrar uno de los cinco billetes dorados que Willy Wonka ha escondido en cinco de sus tabletas de chocolate.

Crítica.

Si comenzamos diciendo que “Charlie y la fábrica de chocolate” es una película de Tim Burton estamos ya en posición de profetizar que probablemente la película será buena. Y en este caso no nos equivocaremos, es una buena película, aunque dentro del elenco de Tim Burton esté a años luz de “Pesadilla antes de Navidad”.

Si hay una combinación que sin duda funciona en el cine esa es la de Tim Burton y Johnny Depp. Las filmográficas de ambos están plagadas de ejemplos empezando por “Eduardo Manostijeras” o “Sleepy Hollow”.

La interpretación de Johnny Depp logra dar una excentricidad aún mayor al personaje de Willy Wonka y logra que se centren en él todas las miradas impidiendo que otros actores brillen, como el propio protagonista, que a pesar de llevar a cabo una interpretación correcta, queda apartado a un segundo plano.

La historia es apasionante, sin embargo hay que añadir que eso no es mérito de la película ni de su director ni de su reparto sino del libro de 1964 con el mismo título.

El mérito de la película está en saber llevar correctamente ese pedacito entrañable de la literatura sin desvirtuarlo en el intento, como suele pasar al adaptar un libro para transformarlo en película. Gran parte del valor de la adaptación cinematográfica se encuentra en los fabulosos decorados y el acertadísimo vestuario que logran una ambientación  sobresaliente.

El punto más criticable de la película en mi opinión son los temas interpretados por los Oompa Loompas, no porque no sepa apreciar las películas que incluyen grandes dosis de musical sino porque en este caso considero que son demasiado largos y carentes de sustancia. Habrían sido más llevaderos si en la versión española no los hubiesen doblado y hubiesen respetado su sonido original y acompañados de subtítulos.

MILLION DOLLAR BABY

-“Los ganadores son simplemente aquellos que están dispuestos a hacer cosas que no harán los perdedores.”

Ficha de la película:

Título original: Million Dollar baby

Director: Clint Eastwood

Producción:  Clint Eastwood, Paul Haggis, Tom Rosenberg, Albert S. Ruddy

Duración: 132 minutos

Género: Drama

Actores principales: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman, Anthony Mackie, Jay Baruchel, Mike Colter, Lucia Rijker, Brian O'Byrne, Margo Martindale, Riki Lindhome

Lugar y año: Australia  2004

Sinopsis:

Maggie Fitzgerald es una mujer de 31 años. Ambas características, su género y su edad son dificultades a la hora de cumplir su sueño: triunfar en el boxeo.

Frankie Dunn por su parte es un entrenador de boxeadores que cuando conoce a Maggie se niega a entrenarla. A pesar de la negativa inicial Maggie sigue acudiendo al gimnasio que Frankie dirige y con la ayuda de Eddie un ex boxeador que trabaja en el gimnasio adquirirá ciertas tablas que sumadas a su empeño conseguirán que Frankie acceda a convertirla en una boxeadora profesional.

Crítica:

La película “Million Dollar Baby” la vi con motivo del análisis sobre los Derechos Fundamentales dentro de una asignatura de mi carrera. En esta ocasión sin embargo voy a dejar al margen el d

ebate ético, moral, filosófico o de diversa índole que pudiera despertar esta película para centrarme en un análisis puramente cinematográfico.

En primer lugar la historia es atrayente. Desde un primer momento se logra la empatía con el espectador que siente las victorias o los fracasos como propios. El mérito de la historia es que va más allá del plano deportivo, desarrolla a los personajes de forma completa y crea vínculos entre ellos.

La interpretación de los tres pilares del film (Clint Eastwood, Hilary Swank y Morgan Freeman) es magnífica. En especial la de la protagonista femenina que solo con una mirada consigue transmitir todo un abanico de emociones.

Respecto a Clint Eastwood, a pesar de lo bien que interpreta a su personaje es mucho mejor aún su trabajo como director.

La imagen de la película es utilizada para hacer transmitir al espectador la decadencia inicial mostrada al inicio del film. Poca iluminación, sombras que ocultan parte del rostro de los actores y escasísima luz natural es lo que podemos ver en las primeras escenas de entrenamiento, casi todas dentro del gimnasio. Poco a poco y medida que avanza la carrera profesional de Maggie y su relación casi paterno filial con Frankie se van dejando ver más espacios abiertos iluminados.

En conclusión: buena historia, buenos actores y buena dirección. Quizá demasiado dramática en algún punto pero eso no le resta mérito.

REGRESO AL FUTURO

"Si te lo propones, puedes conseguirlo todo"

Ficha de la película:

Título original: Back to the Future

Director: Robert Zemeckis

Producción: Neil Canton, Bob Gale, Steven Spielberg, Kathleen Kennedy, Frank Marshall

Duración: 116 minutos

Género: ciencia ficción

Actores principales: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Crispin Glover, Lea Thompson, Thomas F. Wilson

Lugar y año: 1985 Estados Unidos

Sinopsis:

El doctor Emmett Brown, considerado como un científic

o loco por todos los miembros de su comunidad, realiza un importantísimo descubrimiento: los viajes en el tiempo son posibles. Además logra crear una máquina del tiempo usando como soporte físico un coche. Al compartir este invento con su amigo Marty McFly, un joven estudiante, este pone en funcionamiento la máquina del tiempo y viaja del año 1985 al año 1955 donde conocerá a sus padres durante los años en estos asistían al instituto.

Crítica:

Regreso al futuro es una de esas películas que no pasan de moda, es cierto que algunos chistes quizás no se entiendan pasados unos añitos, pero la esencia general era atractiva para el público de 1985 y lo es para el público actual.

Aunque el género principal es la ciencia ficción,  el film regala grandes dosis de humor basadas principalmente en la brecha generacional. Un ejemplo es el incidente de en el cual la madre de Marty cree que el nombre que viene en su ropa es el suyo propio y se pasa buena parte de la película llamándolo Levi Strauss (aunque en la versión original le llama Calvin Klein lo cual tiene más sentido).

La historia está muy bien llevada a pesar de las dificultades que entraña hacer encajar historias sucedidas en distintos momentos temporales.

La caracterización para hacer ver el paso de los años en los personajes es bastante buena, al igual que los efectos especiales que no son nada criticables.

Tanto Michael J. Fox como Christopher Lloyd llevan a cabo una interpretación sublime, de las mejores de sus respectivas carreras.

Una de las cosas que más me gustan de este film es la extrema atención a los detalles. Si somos cuidadosos en su visionado podemos apreciar mensajes ocultos en él. Merecería una entrada aparte la recopilación de dichas curiosidades pero mencionaré mi preferido: se encuentra en los créditos iniciales. Cuando se enfocan todos los relojes de la casa del Doctor Brown uno de ellos nos da un adelanto de lo que podremos ver al final. Es un reloj de cuya manecilla cuelga una réplica en miniatura de Doc.

Fragmento de la película donde se ve dicho reloj.

Por último no se puede pasar por alto la increíble banda sonora del film que nos regala temas como: The Power Of Love  (Huey Lewis & The News), Earth Angel (The Penguins) y J ohnny B. Goode (Chuck Berry).

MORTUARY

“Estoy en el infierno y aparecen los perdedores para rescatarme”

Ficha de la película:

Título original: Mortuary

Director: Tobe Hooper

Producción: Echo Bridge Entertainment

Duración: 93 minutos

Género: terror

Actores principales: Dan Byrd, Denise Crosby, Stephanie Patton, Alexandra Adi, Rocky Marquette, Courtney Peldon, Bug Hall, Tarah Paige

Lugar y año: 2005 Estados Unidos

Sinopsis:

Leslie Doyle y sus dos hijos, Jonathan Doyle y Jamie Doyle cambian sus vidas de forma radical debido al nuevo trabajo de su madre. Se trasladan a un pueblo de las afueras de California donde su madre ejercerá profesionalmente en una funeraria. La casa antigua situada junto a un cementerio y la tétrica historia de terror que la acompaña avisan a la familia Doyle de los secretos que guarda aquel lugar.

Crítica:

Si tuviera que definir lo que sentí al acabar de ver la película “Mortuary” podría hacerlo con una sola palabra: decepción.

La razón principal por la que elegí esta película para su visionado era el director de la

misma: Tobe Hooper. Contando en su Currículum con títulos como “La matanza de Texas” no esperaba encontrarme con un intento tan burdo de cine de terror
.

La historia tiene lagunas e incoherencias, pero la premisa no es mala, con otro desarrollo podría haberse alcanzado una historia atractiva. Casi la primera hora del film es aburrida y estática, toda la acción se concentra en el final.

El final es lo peor de todo, el colofón a una mala película. Apresurado, incoherente y con muy poco realismo técnico.

Los efectos especiales que podemos ver  a lo largo de la película son realmente malos, muy irreales y artificiales que te sacan completamente del guión.

El problema principal de  “Mortuary” es que han querido innovar en el cine de terror usando elementos comunes del mismo pero dándoles una vuelta de tuerca. Y desgraciadamente no les ha salido bien. La mezcolanza de ideas no ha dado buen resultado. El combinar la historia de un serial killer deforme (que recuerda a Jason Voorhees en muchos aspectos como el hecho de que todos crean que está muerto o que padezca deficiencias mentales) con elementos sobre naturales no logra enganchar al público.

Al tratar de entrelazar dos grandes ramas del cine de terror (asesinos en serie y lo sobrenatural) han acabado por no desarrollar correctamente ninguna de las dos. La combinación podría haber resultado favorablemente cambiando un par de detalles, sin embargo de queda en el intento.

Lo mejor de la película es el trabajo de maquillaje con los cadáveres que está bastante logrado, y los pequeños sustos fáciles que siembran en film.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE

-¡Y que la suerte esté siempre de vuestra parte!

Ficha de la película:

Título original: The Hunger Games

Director: Gary Ross

Producción: Jon Kilik, Nina Jacobson

Duración: 142 minutos

Género: aventuras/ ciencia ficción.

Actores principales: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Elizabeth Banks, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Stanley Tucci, Liam Hemsworth, Toby Jones, Lenny Kravitz, Wes Bentley, Paula Malcomson.

Lugar y año: 2012 Estados Unidos

Sinopsis:

Panem es una nación dividida en 12 distritos y manejada desde el Capitolio. 74 años antes en Panem hubo una gran revolución contra el poder del Estado. El resultado fue la destrucción del distrito 13. El Estado a partir de ese momento decidió reprimir cualquier otro comportamiento revolucionario y para ello inventaron los juegos del hambre consistentes en que cada distrito debe enviar a un chico y a una chica de entre 12 y 18 años a una lucha a muerte de la que solo puede salir un vencedor.

Crítica:

Los juegos del hambre es una película basada en la novela del mismo nombre de Suzanne Collins. En concreto la primera parte de la trilogía a la que pertenece.

Es una película con una gran duración, se desarrolla durante casi dos horas y 20 minutos y a pesar de ello al film no le sobra ni un segundo.

 La historia es lo más atractivo de la película que aborda un tema original y novedoso. El hecho de situar la trama en una época futura con importantes avaneces tecnológicos desemboca en la cantidad de efectos especiales que deben aplicarse. En este punto también alcanza el sobresaliente pues en ningún momento dichos efectos parecen falsos o irreales.

La gran sorpresa de la película es la actuación estelar de Jennifer Lawrence en el papel de Katniss Everdeen como protagonista del film.

El rodaje ayuda a conectar al espectador con la trama. Conjuga movimientos rápidos de cámara para dar acción a las escenas más violentas y planos cortos que reflejan los rostros de los actores para una mejor empatía con sus sentimientos. Además la cámara nos sitúa muchas veces en el los ojos del personaje. Por ejemplo cuando Katniss sufre las picaduras de las raspevispulas vemos su mareo y sus alucinaciones, cuando hace explotar la montaña de provisiones notamos su sordera y el pitido agudo que siente en sus oídos, y cuando Rue fallece podemos ver lo último que ella ve antes de morir.

El contexto en que se desarrolla la película es abordado con muy buenos

resultados. Los distintos escenarios (el Distrito doce, el Capitolio, la arena…) están recreados de forma realista y ambiciosa. Por otra parte la caracterización de los personajes situados en ellos también alcanza un nivel notable.

Aunque en un principio, y al ser prácticamente niños los protagonistas, podría pensarse que la película va a ser más inocente. No carece de violencia y aunque esta no sea demasiado explicita sí es abundante.

SÉ LO QUE HICISTEIS EL ÚLTIMO VERANO

“Se trata de una leyenda del folclore americano, de esas que normalmente se originan a partir de un incidente auténtico”

Ficha de la película:

Título original: I Know What You Did Last Summer

Director: Jim Gillespie

Producción: William S. Beasley, Neal H. Mortiz, Stokely Chaffin

Duración: 101 minutos

Género: terror

Actores principales: Jennifer Love Hewitt, Sarah Michelle Gellar, Ryan Phillippe, Freddie Prinze Jr., Johnny Galecki, Bridgette Wilson, Anne Heche, Muse Watson, Patti D'Arbanville, Stuart Greer.

Lugar y año: 1997 Estados Unidos

Sinopsis:

Julie, Barry, Helen y Ray son cuatro amigos que salen de fiesta en cuatro de Julio. A las horas de la madrugada regresan a casa en coche. Debido a una imprudencia no ven al hombre que estaba en la carretera y lo atropellan. Asustados por las consecu4encias de sus actos deciden no avisar a la policía y tirar el  cuerpo al mar. Tras esto hacen un juramento de no volver a decir nada a nadie. Un año después Julie recibe una nota en la que pone: sé lo que hicisteis el último verano.

Crítica:

Sé lo que hicisteis es último verano es una película de temática recurrente en el cine de terror: jóvenes que cometen un asesinato y a pesar de tratar de ocultarlo su pasado vuelve para atormentarlos. Anterior a esta pero con el mismo espíritu cabría destacar “Prom Night” y posterior a ambas y en la misma línea “Hermandad de sangre”.

Lo más atractivo de la película, es sin duda la magnífica escena de persecución protagonizada por Sarah Michelle Gellar (Helen). Hay un punto de esa escena,  cuando Helen trata de conseguir que su hermana le abra la puerta para poder entrar a la tienda y ponerse a salvo del asesino que está claramente inspirada en “Halloween”.

La película va subiendo el nivel de terror conforme avanza. En un principio el asesino se limita a enviarles notas o incluso le corta el pelo mientras duerme a una de las protagonistas, sin embargo pronto se aleja de los simples avisos y pasa a la acción.

La mayor parte de las muertes de la película son “de relleno.” Es decir, cuando una película tiene pocos personajes principales y no se desea matar a todos hay que incluir muertes de personajes secundarios para mantener en tono de terror del film, pero son muertes que no influyen en nada en la trama.

La película juega con la noche y con la oscuridad derivada de ella. Así todas y cada una de las muertes se producen en un marco de penumbra. Esto resulta imprescindible para ocultar el rostro del asesino, ya que a diferencia de otros grandes del cine no lleva ninguna mascara que oculte completamente su rostro, tan solo un sombrero amplio de pescador que lo sombrea. Del mismo modo este recurso ayuda también a disimular cualquier posible defecto de credibilidad en los efectos especiales.