AMÉLIE

"Son tiempos difíciles para los soñadores"

Ficha de la película:

Título original: Le fabuleux destin d'Amélie Poulain

Director: Jean-Pierre Jeunet

Producción:  Jean-Marc Deschamps

Duración: 120 minutos

Género: comedia/drama

Actores principales: Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Rufus, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Jamel Debbouze, Claire Maurier, Clotilde Mollet, Isabelle Nanty, Dominique Pinon, Artus de Penguern, Yolande Moreau, Urbain Cancelier, Maurice Benichou

Lugar y año: Francia, 2001

Sinopsis:

Amélie Poulain es una joven que descubre las virtudes de entregar su vida por los demás y de forma desinteresada tratar de hacer sentir mejor a las personas, este cambio en su vida y en su pensamiento se produce cuando descubre oculta, en el baño de su apartamento, una caja. Esta caja contiene recuerdos antiguos de un niño que debió de vivir allí antes que ella. Amélie decide ponerse en marcha en su trabajo por encontrar al propietario de la cajita y devolverle tan preciados recuerdos.

Crítica:

Aunque la trama es muy interesante y atractiva y sin duda podemos encontrar un bello mensaje subyacente, en mi opinión el mayor mérito del film se encuentra en el modo en que este se ofrece al espectador, su puesta en escena.

La película tiene una forma original y atractiva de ser presentada al público, haciendo hincapié en pequeños detalles y momentos, que aunque en un principio parecen desentonar con la historia o parecer superfluos, aportan un gran encanto. Además, el hecho de que exista un narrador aporta una atmósfera de “cuento de hadas” al film que resulta muy adecuado con la ambientación general. Otro elemento son las detalladas y entrañables descripciones que se hace de cada uno de los personajes.

El modo en que logra fusionar la comedia con el drama es sublime y arroja un resultado cautivador.

En el ámbito interpretativo considero que el papel de Amélie Poulain es más difícil de interpretar de lo que pudiera parecer en un primer momento por la complejidad, psicología y profundidad del personaje. Ante la dificultad interpretativa Audrey Tautou logra estar a la altura personificando la singularidad de la película.

Una escena memorable de la película la encontramos al final de la misma en el paseo en moto que protagonizan Amélie y su nuevo amor, escena que recuerda mucho a la inolvidable “Vacaciones Roma”

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EL LADO BUENO DE LAS COSAS

RETO I

“Tienes que hacer todo lo que puedas, tienes que esforzarte mucho, y si lo haces y eres positivo puede que encuentres el lado bueno de las cosas”

Ficha de la película:

Título original: Silver Linings Playbook

Director: David O. Russell

Producción: Bruce Cohen, Donna Gigliotti

Duración: 120 minutos

Género: amor/ drama

Actores principales: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Chris Tucker, Julia Stiles, Anupam Kher, John Ortiz, Shea Whigham, Dash Mihok, Paul Herman, Brea Bee

Lugar y año: Estados unidos 2012

Sinopsis:

Pat, es un hombre que ha sufre problemas mentales, los cuales comenzaron a  trascender el día que agredió al amante de su mujer consiguiendo así una orden de alejamiento por parte de este. Pat, tras salir del psiquiátrico decide poner en orden su vida, y mejorar para recuperar a su esposa. Durante este proceso conoce a Tiffany una mujer que también tiene ciertos trastornos debido a la muerte de su marido.

Crítica:

“El lado bueno de las cosas” es una película que me ha sorprendido a base de bien. A pesar de no tener grandes esperanzas en ella al comenzar su visualización me he acabado encontrando con una gran historia, unos muy buenos actores y un mensaje cargado de positivísimo.

El film cuenta con grandes diálogos inteligentes que a pesar de su intensidad no resultan sobreactuados o poco creíbles.

Un punto muy significativo de la película son las escenas frenéticas  compaginadas con un muy buen trabajo de música para darles dinamismo y restarles dramatismo logrando así un clima de tensión muy adecuado que se equilibra con otras escenas más lentas de la película.

El personaje de Tiffany, interpretado por Jennifer Lawrence es absolutamente atractivo para el espectador. Su psicología resulta misteriosa e intrigante y la interpretación del mismo por la actriz es impecable. Cabe añadir que la química con el coprotagonista, Bradley Cooper, es perfecta.

En este ámbito interpretativo también cabe destacar a Robert de Niro que, como siempre, no deja indiferente y aporta una chispa de comedia a la trama.

Algo criticable del film podría ser la previsibilidad del final ya que se recurre al típico final feliz de las comedias románticas sin embargo teniendo en cuenta que en este caso estamos ante un drama resulta agradable encontrarse con este tipo de final.

DESPIERTO

“Tal vez los jugadores hayan cambiado pero el juego sigue siendo el mismo”

Ficha de la película:

Título original: Awake

Director: Joby Harold

Producción Jason: Kliot, John Penotti, Joana Vicente, Robert Velo

Duración: 84 minutos

Género: Drama/ triller

Actores principales:  Hayden Christensen, Jessica Alba, Terrence Howard, Lena Olin, Christopher McDonald, Fisher Stevens, David Harbour

Lugar y año: Estados Unidos 2007

Sinopsis:

Clay es un chico joven procedente de una buena familia y con un gran patrimonio económico. Ha empezado hace poco una relación con Sam, una chica de una posición social inferior a la suya lo que provoca el rechazo de la madre de Clay hacia la relación. Además Clay sufre una enfermedad debido a cual necesita someterse a un trasplante de corazón o morirá.

Crítica:

“Despierto” es una película que logra confundirnos. La intriga que podemos ver en ella no es poco y además está muy bien llevada de modo que es difícil intuir su final, o al menos parte de él. Esto es así, entre otras cosas, por las señales contradictorias que se nos van mostrando durante el desarrollo del film.

Uno de los grandes logros del film es crear un clima de desesperación, claustrofobia e impotencia. Esta sensación es la que la película nos transmite en los momentos en que el protagonista siente que la anestesia no le ha hecho todo su efecto, pues aunque está paralizado sigue despierto.

Uno de los personajes más intensos y con una dimensión más profunda no precisamente uno de los secundarios, aunque por supuesto también tiene muchísima importancia en la película (especialmente en el final) se trata del personaje de la madre. Una mujer fuerte, desconfianza, testaruda y valiente. No necesita demasiado tiempo en pantalla para transmitir su marcado carácter.

Algo que me gusta y que agradezco ver en esta película es el rechazado a una historia de amor tipo Romeo y Julieta. Aunque nos comienzan presentando precisamente esto el film da un giro de 180 grados sorprendiendo y acabando de forma radicalmente opuesta a lo que podríamos esperar de una historia de amor.

Si el amor sale mal parado en esta historia la amistad queda en un lugar semejante.

Lo mejor de la película es la capacidad de la misma para presentarnos a los personajes “malos” como unas excelentes personas y viceversa.

DOCE HOMBRES SIN PIEDAD

“¿Quién le da derecho a usted para jugar de ese modo con la vida de un ser humano?”

Ficha de la película:

Título original: 12 Angry Men

Director: Sidney Lumet

Producción Sidney Lumet, Roberto Gargarella

Duración: 95 minutos

Género: Drama

Actores principales:  Henry Fonda, Lee J. Cobb, E.G. Marshall, Jack Warden, Ed Begley, Martin Balsam, John Fiedler, Robert Webber, Jack Klugman, Edward Binns, Joseph Sweeney, George Voskovec

Lugar y año: Estados Unidos 1957

Sinopsis:

Un jurado formado por 12 hombres muy distintos entre sí debe decidir si un muchacho de 18 años es culpable o inocente del homicidio de su padre teniendo en cuenta que si lo declaran culpable será condenado a la pena de muerte

Crítica:

“Doce hombres sin piedad” es una película interesante y reflexiva.

En esta película no se van a encontrar grandes (ni pequeñas) dosis de acción o aventuras. Su valor reside sobre todo en la trama y los diálogos.

Como sabréis todos los que hayáis leído el apartado de información personal “Sobre mí” soy estudiante de derecho por lo tanto esta película tiene una historia que a priori me parece interesante y atrayente.

A pesar de no ser un Thriller si podemos encontrar en esta película un nivel bastante alto de intriga y bastantes sorpresas que recuerdan a novelas detectivescas como las de Ágata Christie.

La escena más intensa en mi opinión es aquella en la que Henry Fonda saca una navaja idéntica a la usada en el crimen y la clava sobre la mesa para demostrar que no es un arma única sino relativamente fácil de conseguir ampliando así la posibilidad de que el asesino sea otro.

               

Los personajes son el otro punto fuerte de la película. Todos y cada uno de ellos están bien definidos psicológicamente. Cabe añadir que el vestuario sabe a acompañar a la perfección a las personalidades de cada uno. Como fallo podríamos señalas que quizás estén tan bien expuestas sus características que en algún punto caen en los estereotipos al forzar demasiado sus caracteres.

El escenario es muy limitado. Toda la trama, a excepción de unos segundos al final del film, se desarrolla dentro de los juzgados y el 80% además dentro de una misma sala. A pesar de esto el especio está muy bien desarrollado. Lota encerrar a los personajes haciendo que sus emociones florezcan.

SIN RESERVAS

“Las recetas que uno inventa son las mejores”

Ficha de la película:

Título original: No reservations

Director: Scott Hicks

Producción: Kerry Heysen y Sergio Aguero

Duración: 105 minutos

Género: Drama/comedia romántica

Actores principales: Catherine Zeta-Jones, Aaron Eckhart, Abigail Breslin, Patricia Clarkson, Jenny Wade, Bob Balaban, Brian F. O'Byrne, Lily Rabe, Eric Silver, Arija Bareikis, John McMartin, Celia Weston, Zöe Kravitz, Matthew Rauch, Dearbhla Molloy

Lugar y año: Estados Unidos 2007

Sinopsis:

Kate es una chef que ama su trabajo, solo vive por y para él. Un día su vida se verá trastocada cuando su hermana sufre un accidente de tráfico y fallece en el mismo dejando a su hija al cuidado de Kate. Esta situación hace que Kate deba ausentarse al trabajo y por ello su jefa contrata un segundo chef, Nick, con el que Kate deberá aprender a trabajar.

Crítica:

Sin reservas es una versión actualizada de una película del año 2001 “Bella Martha” o en español, “Deliciosa Marta” sin entrar a una comparativa profunda entre ambas quisiera apuntar que el título “Sin reservas” me parece más atractivo que el título de la original.

La película comienza en un tono bastante dramático del que le cuesta recuperarse pero del que va saliendo poco a poco hasta desembocar en un final feliz al que luego me referiré.

Uno de los aspectos más tractivos del film es la banda sonora, compuesta por grandísimos temas y  magnifica para conducir el estado de ánimo del espectador y encuadrar las escenas.

Otro mérito del film es la manera de presentar los platos que se cocinan. La película consigue despertar no solo las ganas de probarlos, sino también de cocinarlos.

En lo referente al reparto Catherine Zeta-Jones realiza una gran interpretación aunque suave y pausad lo cual liga de manera excelente con la interpretación más intensa llevada a cabo por su co-protagonista masculino Aaron Eckhart. Se logra de este modo el equilibrio adecuado y una gran  compenetración entre la pareja

Para el final del film apostaron por el positivismo y despejaron definitivamente el drama aunque la enorme pega de este es ser demasiado predecible. Desde la mitad de la película aproximadamente ya podríamos intuir no solo que la pareja acabaría junta sino que  encontraría la manera de conciliar amor y vida laboral sin caer en la competitividad.

ESTALLIDO

“El miedo tiene muy mala fama pero yo no quiero trabajar con alguien que no tenga miedo”

Ficha de la película:

Título original: Outbreak

Director: Wolfgang Petersen

Producción: Gail Katz, Arnold Kopelson, Anne Kopelson, Wolfgang Petersen

Duración: 127  minutos

Género: Drama/acción

Actores principales:  Dustin Hoffman, Rene Russo, Morgan Freeman, Kevin Spacey, Cuba Gooding Jr., Donald Sutherland, J.T. Walsh, Patrick Dempsey, Zakes Mokae, Malick Bowens, Dale Dye

Lugar y año: Estados Unidos 1995

Sinopsis:

En Zaire un peligroso y letal virus está diezmando a la población. Ante eso el Ejercito de los Estados Unidos decide arrasar el poblado.  Aunque pensaban que así lograría impedir la propagación del virus esto no ocurre pues un hombre saca del poblado un mono infectado con el virus.  La enfermedad pronto comienza a extenderse entre los ciudadanos de los estados Unidos.

Crítica:

Desde su inicio podemos disfrutar de grandes dosis de acción y a pesar de ser una película de una duración considerable logra mantener la intriga y el interés del espectador. Esto lo consigue creando una atmósfera de suspense y al mismo tiempo incluyendo secuencias violentas como por ejemplo la escena de la propagación en el cine o la persecución en helicópteros.

Podríamos considerar a “Estallido” como un precedente de las actuales películas cuyo argumento gira entorno a pandemias mundiales o virus zombi pero mucho más realista.

El reparto no está nada mal, el protagonista, Dustin Hoffman, desarrolla un trabajo interpretativo nada criticable. Esta película es la prueba, o al menos una de ellas de que Morgan Freeman está esplendido en cualquier papel que se le dé. Aunque sus minutos en pantalla no son demasiados para él son suficientes a la hora de conseguir la atención del público. Respecto a Rene Russo logra también estar a la altura. La escena en la que más destaca la actriz es la del momento de su contagio y posterior reacción.

El maquillaje y caracterización de os infectados aporta matices de visceralidad  que unidos al drama causado por las relaciones sentimentales completan el abanico emocional el film. La banda sonora, además, es capaz de acompañar adecuadamente la transición anímica.

BILLY ELLIOT

“No pasa nada, hijo, todos tenemos miedo”

Ficha de la película:

Título original: Billy Elliot

 Director: Stephen Daldry

Producción: Charles Brand

Duración: 105  minutos

Género: Drama

Actores principales: Jamie Bell, Julie Walters, Gary Lewis, Jamie Draven, Adam Cooper, Jean Heywood, Stuart Wells, Nicola Blackwell

Lugar y año: 2000 Reino Unido

Sinopsis:

Billy Elliot es un chico de 11 años que vive con su padre, su hermano y su abuela y que práctica boxeo. Un día presencia una clase de ballet y se interesa por la disciplina. Comienza a tomar clases de ballet a pesar de que su padre se lo prohíbe expresamente. Con la ayuda de su profesora intenta ser admitido en una prestigiosa academia de danza.

Crítica:

Billy Elliot es una de las mejores películas sobre baile dentro de la historia del cine-. Cuenta con una historia atractiva, unos personajes muy humanos y muy reales y una puesta en escena inmejorable.

 

Una de las peculiaridades de esta película, que considero que le da un toque distintivo, es el uso de las escenas interpuestas que nos muestran lo que hace cada personaje en ese instante.

La banda sonora está muy cuidada en este film, lo que no es de extrañar teniendo en cuenta que la temática en torno a la que gira es la danza.

El reparto es uno de los puntos fuertes. La interpretación del joven protagonista, Jamie Bell, me parece formidable a pesar de su temprana edad. Logra trasmitir sentimientos y sensaciones al espectador y lograr la empatía haciendo que el público se coloque en su lugar.

Considero que el final es un gran acierto. A pesar de que la película crea una atmósfera de drama a lo largo de toda la trama muestra un final feliz y satisfactorio, premiando el esfuerzo del protagonista, que deja con buen sabor de boca al espectador.

A pesar de que la emotiva escena final es la que más suele gustar a la gente para mí la mejor escena es aquella en la que Billy baila por primera vez delante de su padre y este sale a toda prisa del gimnasio, impactado por lo que acaba de ver y decidido a ayudar a su hijo a instruirse en el ballet.

Al margen del valor cinematográfico de esta película, que no es poco, me quedo con el mensaje de tolerancia que envía a todo aquel que la visualice.

SOUL SURFER

“Dicen que tu hogar está donde está tu corazón”

Ficha de la película:

Título original: Soul Surfer

Director: Sean McNamara

Producción: David Zelon, Douglas Schwartz

Duración: 106 minutos

Género: Drama

Actores principales: AnnaSophia Robb, Dennis Quaid, Helen Hunt, Carrie Underwood, Ross Thomas, Lorraine Nicholson, Kevin Sorbo, Sonya Balmores

Lugar y año: Estados Unidos 2011

Sinopsis:

Bethany Hamilton es una niña de 13 años apasionada del surf tanto es así que quiere dedicar su vida profesional a este deporte. Una mañana decide ir a surfear como cada día con su amiga Alana pero sufre el terrible ataque de un tiburón el cual le devora uno de sus brazos. Aunque consigue sobrevivir deberá adaptarse a su nueva vida en la cual seguir en el surf no será tan fácil.

Crítica:

De entrada Soul Surfer es una película dramática por lo tanto el espectador va a experimentar sentimientos de aflicción que se verán agravados cuando se descubre que dicho film está basado en hechos reales y que una niña real llamada Bethany Hamilton sufrió dicha experiencia.

El rodaje de la película es muy bueno,

los movimientos de la cámara hacen al espectador sumergirse en la trama que ya de por sí es enfocada de forma bastante realista y siendo fiel a la historial autentica. Un ejemplo de esto son las escenas en las cuales se practica el deporte se surf pues la cámara hace sentir al público que está dentro de la ola.

Hay un fallo claro en la película y es el tratamiento técnico de la escena del tiburón. Es una escena muy rápida por lo que no es tan fácil apreciar las deficiencias pero si prestamos un poco de atención podemos observar que la figura del tiburón es totalmente falsa y artificial. Se ve claramente que está creado digitalmente. Es una lástima que no hayan prestado el debido cuidado a este efecto cuando el maquillaje y los efectos especiales usados en el brazo son muy buenos y con resultados muy realistas. Quizá la respuesta es que no quería darse demasiado protagonismo a esta parte de la historia y por el contrario centrar la trama en la auto superación de la protagonista. He de decir que si este es este el motivo quizá no debería haberse usado como imagen promocional del film la tabla con la mordedura del tiburón para tratar de atraer al público con este reclamo.

La interpretación es correcta aunque no memorable. Peca de poco pasional ya que una película de estas características tan cargada de sentimentalismo habría requerido una interpretación en ciertos aspectos más explosiva o intensa, sin embargo aunque no se alcanza este nivel no es una interpretación reprochable.

GRAVITY

“Aquí nadie puede hacerte daño, estás a salvo.”

Ficha de la película:

Título original: Gravity

Director: Alfonso Cuarón

Producción: David Heyman, Alfonso Cuarón

Duración: 90 minutos

Género: Ciencia ficción/ Drama

Actores principales: Sandra Bullock, George Clooney, Phaldut Sharma

Lugar y año: Estados Unidos 2013

Sinopsis:

La Doctora Ryan Stone es la encargada de una misión de reparación de una satélite. Para esta misión la acompaña Matt Kowalski quien le da importantes consejos que ayudaran a la Doctora Ryan a moverse en un espacio sin gravedad. Durante este proyecto les avisan de que un satélite ruso ha explotado y que sus restos se dirigen hacia allí. En efecto esto es lo que pasa y lo que provoca que la Doctora Ryan salga disparada lejos de su nave.

Crítica:

Si partimos de que la película está dirigida por Alfonso Cuarón (un directos bastante prometedor) con un reparto escaso pero de renombre, buenos efectos especiales y una historia en principio atrayente es lógico que pensemos que vamos a encontrarnos con una buena película.

Sin embargo algo salió mal al llevar a cabo la mezcla de estos ingredientes porque el resultado es nefasto. En primer lugar un reparto formado por solo dos actores implica una historia muy atrayente para poder mantener la acción y el interés del espectador. En este caso comienzan siendo dos actores pero a los 32 minutos de película uno de ellos desaparece dejándonos solo con un único personaje en escena, la Doctora Ryan.

A partir de este momento la película se vuelve muy pesada. Intenta darle emoción plagando la trama de múltiples accidentes que pondrán en aprietos a la Doctora pero serán acontecimientos confusos y poco desarrollados.

Lo mejor de la película es el uso que hacen en ella del sonido y de los silencios que ayuda bastante a ponerse en situación e intentar conectar con la trama lo cual es todo un desafío. Para esto también incluyen varios planos cortos del rostro de los protagonistas  pero sin lograr buenos resultados.

MILLION DOLLAR BABY

-“Los ganadores son simplemente aquellos que están dispuestos a hacer cosas que no harán los perdedores.”

Ficha de la película:

Título original: Million Dollar baby

Director: Clint Eastwood

Producción:  Clint Eastwood, Paul Haggis, Tom Rosenberg, Albert S. Ruddy

Duración: 132 minutos

Género: Drama

Actores principales: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman, Anthony Mackie, Jay Baruchel, Mike Colter, Lucia Rijker, Brian O'Byrne, Margo Martindale, Riki Lindhome

Lugar y año: Australia  2004

Sinopsis:

Maggie Fitzgerald es una mujer de 31 años. Ambas características, su género y su edad son dificultades a la hora de cumplir su sueño: triunfar en el boxeo.

Frankie Dunn por su parte es un entrenador de boxeadores que cuando conoce a Maggie se niega a entrenarla. A pesar de la negativa inicial Maggie sigue acudiendo al gimnasio que Frankie dirige y con la ayuda de Eddie un ex boxeador que trabaja en el gimnasio adquirirá ciertas tablas que sumadas a su empeño conseguirán que Frankie acceda a convertirla en una boxeadora profesional.

Crítica:

La película “Million Dollar Baby” la vi con motivo del análisis sobre los Derechos Fundamentales dentro de una asignatura de mi carrera. En esta ocasión sin embargo voy a dejar al margen el d

ebate ético, moral, filosófico o de diversa índole que pudiera despertar esta película para centrarme en un análisis puramente cinematográfico.

En primer lugar la historia es atrayente. Desde un primer momento se logra la empatía con el espectador que siente las victorias o los fracasos como propios. El mérito de la historia es que va más allá del plano deportivo, desarrolla a los personajes de forma completa y crea vínculos entre ellos.

La interpretación de los tres pilares del film (Clint Eastwood, Hilary Swank y Morgan Freeman) es magnífica. En especial la de la protagonista femenina que solo con una mirada consigue transmitir todo un abanico de emociones.

Respecto a Clint Eastwood, a pesar de lo bien que interpreta a su personaje es mucho mejor aún su trabajo como director.

La imagen de la película es utilizada para hacer transmitir al espectador la decadencia inicial mostrada al inicio del film. Poca iluminación, sombras que ocultan parte del rostro de los actores y escasísima luz natural es lo que podemos ver en las primeras escenas de entrenamiento, casi todas dentro del gimnasio. Poco a poco y medida que avanza la carrera profesional de Maggie y su relación casi paterno filial con Frankie se van dejando ver más espacios abiertos iluminados.

En conclusión: buena historia, buenos actores y buena dirección. Quizá demasiado dramática en algún punto pero eso no le resta mérito.

MEJOR IMPOSIBLE

“Lo que lo hace tan duro no es que tú lo hayas pasado mal sino que te pone a parir que tantos otros lo hayan pasado bien”

Ficha de la película:

Título original: As Good As It Gets

Director: James L. Brooks

Producción: James L. Brooks, Bridget Johnson, Kristi Zea

Duración: 138 minutos

Género: Comedia romántica/ Drama

Actores principales: Jack Nicholson, Helen Hunt, Greg Kinnear, Cuba Gooding Jr., Skeet Ulrich, Shirley Knight, Jesse James, Lawrence Kasdan, Yeardley Smith, Lupe Ontiveros, Maya Rudolph, Tara Subkoff, Lisa Edelstein, Jamie Kennedy, Harold Ramis, Julie Benz

Lugar y año: Estados Unidos 1997

Sinopsis:

Melvil Udall (Jack Nicholson) es un hombre que vive atrapado en sus obsesiones y su rutina, la cual nunca permite que se vea alterada. Un día, durante un atraco, su vecino Simon Bishop (Greg Kinnear), sufre unas serias lesiones que le obligan ingresar en el hospital. Amenazado por la pareja de Simon, Melvil se hace cargo del perro de este. El tener a su cargo un animal obliga a Melvin a llevar a cabo una serie de cambios en su vida y al mismo tiempo comienza a conocer de manera más personal a Carol Connelly (Helen Hunt), la cámara del restaurante donde come cada día.

Crítica:

Es una película original, de temática peculiar, que trata alguno de problemas más comunes de la sociedad actual como los trastornos psicológicos, las dificultades económicas o los problemas familiares.

La película lejos de enfocar estos temas desde una perspectiva superficial ahonda en ellos utilizando para esta tarea la vida de tres personajes. Estos son Melvin, Simon y Carol los cuales poco tiene que ver entre sí, sin embargo todos tienen en común el haber sufrido importantes obstáculos en su vida.

Sin duda el punto fuerte de esta película es el fantástico Jack Nicholson, (aunque el guion tampoco se queda atrás). En esta película el sublime Nicholson se remonta a uno de sus clásicos y vuelve a interpretar a un escritor con problemas mentales (aunque no tan severos como los que padece su personaje en “El resplandor”).

La interpretación a pesar de su complejidad, es impecable. La dificultad interpretativa se debe a la poliédrica personalidad de Melvin, el cual no solo padece un trastorno obsesivo compulsivo sino que además es homófobo, xenófobo, misógino y antisemita. A pesar de esto logra hacerse querer por el espectador mostrando por otro lado sus cualidades emocionales, como la generosidad, la creatividad y en el fondo un gran corazón.  Todo esto logra transmitirlo Jack Nicholson mediante un impecable lenguaje no verbal, usando su cuerpo y en especial su rostro.

La película es una estupenda comedia que transmite el humor mediante la ironía el sarcasmo y la excentricidad del protagonista. El equilibrio de la película se logra mediante grandes dosis de drama y momentos de tensión que hacen al espectador ponerse en el lugar de los personajes y empatizar con estos.

Por último me gustaría destacar la pequeña aparición de Skeet Ulrich en el film interpretando a Vincent Lopiano (el modelo que atraca a Simon junto a sus compinches), en un registro interpretativo totalmente diferente al que nos mostró en “Scream” encarnando a Billy Loomis, uno de los personajes del film.

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

“A veces nos disponemos a estrellarnos y no lo sabemos, ya sea casual o deliberadamente no hay nada que podamos hacer al respecto”

Ficha de la película:

Título original: The Curious Case of Benjamin Button

Director: David Fincher

Producción: Kathleen Kennedy, Frank Marshall, Ceán Chaffin

Duración: 166 minutos

Género: drama/amor/fantasía

Actores principales: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, Jason Flemyng, Julia Ormond, Eric West, Elias Koteas, Elle Fanning, Jared Harris

Lugar y año: Estados Unidos 2008

Sinopsis:

Una mujer enferma terminal se encuentra en un hospital acompañada de su hija y decide dedicar sus últimas horas de vida a escuchar como esta lee en voz alta y por vez primera el diario de Benjamin Button. Benjamin Button, según lo que en ese documento se encontraba escrito, era un hombre cuyo ciclo vital se desarrollaba en sentido opuesto al del resto de las personas, de modo que nació con las características físicas propias de un anciano (lo que causo que su padre lo abandonara el mismo día de su nacimiento) y poco a poco fue rejuveneciendo.

Critica:

El Curioso caso de Benjamin Button, es una película, como ya profetiza el título, curiosa.

Para tratarse una historia totalmente fantástica está rodada de forma que se le aporta un extraño realismo lo cual permite al espectador involucrarse más en la historia y por tanto llegar a conectar con la misma de forma que la valoración final que este hace de la misma termina siendo buena.

Los saltos en el tiempo son la asignatura pendiente del cine, pero no en este caso. Normalmente no suelen ser llevados de forma adecuada en las películas, (al margen de algunos casos como “Regreso al futuro” que hace extremadamente sencillo para el espectador algo que en guión debió de resultar complejo), sin embargo el Curioso caso de Benjamin Buton también destaca por saber llevar la evolución temporal de modo adecuado y sobre todo ordenado.

Uno de los puntos que refuerzan esto es el uso de la luz en la imagen.a media que la historia va acercándose temporalmente al  presente los tonos cálidos usados al comienzo de la misma se van sustituyendo por tonos fríos.

El trabajo de maquillaje es realmente bueno, la caracterización de Brad Pitt no resulta artificial, sino que incluso fijándose es difícil notar que sus arrugas no son naturales.

En este aspecto la iluminación del film resulta de mucha ayuda. Como se ha mencionado antes, los tonos en ese punto de la película eran cálidos, lo cual escondía de algún modo los posibles defectos.

Cuando llegó el turno de la caracterización de Cate Blanchett la iluminación ya se había ido cambiando paulatinamente y esto permite al espectador fijarse más en todos los detalles lo que implica que ciertos planos cortos de su rostro revelen artificialidad. En cuanto a la evolución del cuerpo de Benjamin en ese caso la solución requería un poco más de complejidad técnica que el maquillaje y por tanto el resultado no fue tan verosímil.

LOS MISERABLES

Soy un hombre. No soy peor que cualquier otro hombre.

Ficha de la película:

Título original: Les Misérables

Director: Tom Hooper

Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Debra Hayward, Cameron Mackintosh

Duración: 158 minutos

Género: Musical/drama

Actores principales: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne, Samantha Barks, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen,

Lugar y año: Reino Unido 2012 

Sinopsis:

Jean Valjean tras cumplir condena por robar para conseguir medicinas para su sobrino y recibir una segunda oportunidad decide desprenderse de su antigua identidad y construir una nueva vida llegado así a convertirse en alcalde. Es en este momento en el que su vida se entrecruza con la de Fantine una mujer que tras ser despedida de la fábrica en la que trabajaba se ve arrastrada a vender sus muelas, su pelo y su cuerpo para poder mantener a su hija que se hospeda con los mesoneros de la ciudad.

Jean Valjean adopta a Cosette, la hija de Fantine, tras la muerte de esta y juntos empiezan por segunda vez una nueva vida mientras esquiva al inspector Javert, que aún le persigue por haber roto la libertad condicional años atrás.

 Critíca:

Mi musical preferido sin duda es “Los miserables”. Conmovedora, apasionada y sorprendente son los tres adjetivos con los que califico el film.  Muchos dicen que peca de larga sin embargo considero que es el único modo de hacer justicia a la novela de Victor Hugo.

Me ha sorprendido muy gratamente ver al elenco de actores trabajando en un musical. Mucho se ha debatido sobre si debía haberse contratado a músicos profesionales o no. Yo considero que la elección fue acertada. Desconozco si la entonación es la adecuada o si por el contrario, como muchos han alegado, es más que mejorable. Lo que sí puedo afirmar con rotundidad es que solo un gran actor es capaz de transmitir los sentimientos como lo hace el reparto elegido. La música en directo marca la diferencia con otros musicales de la historia del cine aportando realismo y crudeza.

La actuación más destacable es la de Anne Hathaway que demuestra todo su potencia en su interpretación de “I dreamed a dream”. El papel de la actriz en el film es corto y sin embargo es uno de los que más ha dado que hablar. Este ha sido un punto de inflexión en la carrera de esta joven promesa que ha mostrado todo su potencial y su magnífica polivalencia.

Evidentemente nos encontramos ante un drama pero la dirección ha sabido encauzarlo adecuadamente. Casi dos horas y media de intenso drama es algo que puede llegar a hacerse demasiado pesado para el espectador y es mediante dosis de humor dosificadas como se consiguen altibajos emocionales capaces de mantener despierto el interés del público. En este punto Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen bordan su interpretación.

Un factor en contra, pero inevitable ya que el doblaje habría destrozado la esencia de esta película, es el tener que centrar gran parte de la atención en los subtítulos. Esto impide al espectador fijarse en detalles interpretativos en especial en secuencias con un ritmo acelerado como “Master of the house”. (Yo personalmente he salvado la barrera del idioma visionando el film un par de veces)

La ambientación, vestuario, maquillaje y escenarios son muy adecuados. Los saltos en el tiempo que experimentamos a lo largo del film están bien encuadrados en la obra y no resultan confusos.

Cada personaje arrastra su propia historia y todas y cada una de ellas han sido pulidas adecuadamente dotando a los sujetos de una psicología completa, compleja y evolutiva. A pesar de esto la historia menos atrayente es la amorosa entre Cosette y Marius que resulta demasiado idealizada e irreal.